PRIMERA CÁMARA DE FOTOS:
Desde comienzos del siglo IV a.C el hombre ha querido captar el mundo que lo rodeaba. Aristóteles fue el primero en describir un cuarto oscuro que, más adelante, daría lugar a la cámara oscura y al origen de la fotografía.
El fisionotrazo fue inventado por Guilles-Louis Chrétien a finales del siglo XVIII. Es un instrumento óptico mecánico con el que se podían dibujar los perfiles de personas y objetos.
El silueteado es otra máquina para hacer dibujos cuyo nombre deriva del ministro de hacienda de Luis XV, Ethienne de Silouetthe.
El Daguerrotipo tuvo muy una buena acogida y pronto empezó a difundirse por Alemania, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, etc. Además se empezaron a vender cámaras que no llevaban la firma de Daguerre. Estos vendedores y los aficionados que las compraban, fueron los responsables de la evolución de las cámaras, aligerándolas de peso, construyéndolas con materiales baratos y lentes simples; y también reduciendo poco a poco el tiempo de exposición (en 1842 ya queda reducido a 30 o 40 segundos).
Entre 1840 y 1844 se publicó la primera colección de álbumes de manos del óptico Lerebours, "Excursiones daguerriennes". Estaba compuesta por daguerrotipos copiados en grabados, y realzados con personajes, barcos, carruajes y animales añadidos por el grabador, hechos todos ellos por fotógrafos de todo el mundo contratados por Lerebours.
En 1842 el fotógrafo Carl F. Stelzner saca con daguerrotipo la que será la primera fotografía de un suceso, un barrio de su ciudad, Hamburgo, desolado por un incendio.El daguerrotipo se utilizó también con fines científicos. Ya en 1839 el óptico Soleil construyó un microscopio-daguerrotipo; y en 1840 John William Draper sacó una fotografía de la Luna, cinco años más tarde, Fizeau y Foucault, hacían lo mismo con su astro gemelo, el Sol.Como vemos, el daguerrotipo fue muy expandido, pero a causa de su difícil manipulación estaba destinado a desaparecer.
A pesar de la enorme popularidad del daguerrotipo, acabó desapareciendo. Su sucesor fue el calotipo. Ofrecía algunas ventajas de las que carecía el sistema de Daguerre.
1.- El Daguerrotipo producía una imagen única de la que no se pueden sacar copias sin destruir el original. Este inconveniente fue uno de los motores que llevaron al avance de la fotografía.
3.- La placa de cobre emulsionada con sales de plata se craquela fácilmente o se ennegrece en contacto con el agua o con el aire. Es por esto por lo que hay que enmarcarlos y utilizar un cristal convexo para evitar el roce del cristal con la madera.4.- Los daguerrotipos eran muy pesados. Tanto la cámara como las placas de cobre emulsionadas son de difícil manipulación. Además, la imagen hay que revelarla y fijarla con mercurio, un producto tóxico que es muy peligroso para la salud.
La palabra, "Fotografía" tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico. La palabra se deriva del griego foto (luz) y grafos (escritura).
Por eso se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz. Varias décadas antes, De la Roche (1729-1774) tras su investigación hizo una predicción asombrosa en un trabajo literario de nombre Giphantie, donde era posible la captura de imágenes de la naturaleza en una lona cubierta por una sustancia pegajosa, proporcionando una imagen idéntica a la real. Esta imagen sería permanente después de haberla secado en la oscuridad.
De la Roche no se imaginaba siquiera que la narración de su cuento imaginario podría llegar a ser verídico varios años después.
Agfa billy record,1.930.
LA PRIMERA CÁMARA OSCURA:
La idea de la fotografía nace como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura.
La máquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue realizada mucho tiempo antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida por ella.
Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.
La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519).
La máquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue realizada mucho tiempo antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida por ella.
Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.
La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519).
En la antigüedad los artistas disponían de una habitación oscura en la que entraban para fotografiar un paisaje circundante, pero estos montajes e instrumentos, tenían un gran inconveniente, eran muy poco manejables. Hacia la segunda mitad del siglo XVII se inventó una mesa de dibujo portátil siguiendo el principio de la cámara oscura.
Era una gran caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por una lente, el artista dirigía esta caja hacia donde quería y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la parte superior. Este artilugio, fue utilizado durante varios siglos por artistas pintores, incluyendo de entre ellos dos personalidades famosas, como Canaletto y Durero, que lo utilizaban para recabar apuntes con bastante precisión en la perspectiva.
Era una gran caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por una lente, el artista dirigía esta caja hacia donde quería y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la parte superior. Este artilugio, fue utilizado durante varios siglos por artistas pintores, incluyendo de entre ellos dos personalidades famosas, como Canaletto y Durero, que lo utilizaban para recabar apuntes con bastante precisión en la perspectiva.
Desde comienzos del siglo IV a.C el hombre ha querido captar el mundo que lo rodeaba. Aristóteles fue el primero en describir un cuarto oscuro que, más adelante, daría lugar a la cámara oscura y al origen de la fotografía.
Leonardo Da Vinci utilizó el método descrito por Aristóteles para fabricarse el primer intento de "máquina para capturar imágenes", en la época del renacimiento.
Más tarde, en el siglo XVIII se inventaron numerosos artilugios para poder plasmar la realidad sobre un soporte. Éstos fueron usados principalmente por artistas y pintores para ayudarlos en sus obras.
El fisionotrazo fue inventado por Guilles-Louis Chrétien a finales del siglo XVIII. Es un instrumento óptico mecánico con el que se podían dibujar los perfiles de personas y objetos.
Funcionaba gracias a una serie de paralelogramos articulados que se desplazaban en un plano horizontal. Este plano solía ser una placa de cobre. El dibujante seguía los bordes del dibujo con un estilete seco.
El fisionotrazo, a pesar de ser una máquina aparatosa para dibujar, ha sido considerado como uno de los antecesores manuales de la fotografía.
El silueteado es otra máquina para hacer dibujos cuyo nombre deriva del ministro de hacienda de Luis XV, Ethienne de Silouetthe.
El silueteado consistía en colocar la figura detrás de una sábana iluminada y dibujar el contorno que se reflejaba en la misma. Era lo más utilizado en los camafeos de la época del Rococó.
El primer paso para fijar la imagen reproducida en la caja oscura sin tener que llegar a copiarla o plasmarla, a mano, ocurre en 1726, realizando una demostración de la investigación experimental sobre la sensibilidad a la luz del nitrato de plata, por el alemán J.H. Schulze.
El mérito de la obtención de la primera imagen duradera, fija e inalterable a la luz pertenece al francés Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833).
Las primeras imágenes directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Nicéphore utilizó una cámara oscura modificada e impresionó en 1826 con la vista del patio de su casa plasmando la primera fotografía permanente de la Historia. A este procedimiento le llamó heliografía. No obstante Nicéphore, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones.
Esta imagen tomada en 1826, muestra un ángulo de su habitación de trabajo.
Louis Jacques Mandè Daguerre, veinte años más joven que Nièpce y famoso pintor, estaba interesado en la forma de fijar la luz con su cámara oscura y al enterarse de los trabajos de Nièpce le escribió para conocer sus métodos, pero éste se negaba con evasivas; tras visitarle varias veces e intentar convencerlo para asociarse, dio por inútiles sus intentos y se lanzó a investigar tenazmente.
En 1835 Jacques Daguerre publicó sus primeros resultados de su experimento, proceso que llamó Daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal. El verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de los daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.
En 1835 Jacques Daguerre publicó sus primeros resultados de su experimento, proceso que llamó Daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal. El verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de los daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.
A finales de 1829 Daguerre y Nièpce formaron una sociedad en la que se reconocía a este último como inventor. Muerto Nièpce en 1833, pasa a manos de Daguerre el invento de forma casi completa.
El hijo de Nièpce heredó los derechos del padre en su contrato, pero después de varias modificaciones, aprovechando la maltrecha economía del heredero, el nombre de Daguerre sería el único que apareciese como creador del invento.
Lo perfeccionó con la acción del vapor de mercurio sobre el yoduro de plata y luego con la posibilidad de disolver el yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.
El lanzamiento se produjo de 1838 a 1839. Daguerre se convierte en una eminencia reconocida y premiada. Inmediatamente comienza a fabricar una serie de material fotográfico haciendo demostraciones en público; una de ellas quedó reflejada en un librito de doce páginas de gran rigor, publicada y descubierto el secreto que encerraba. Sin aportar ninguna nueva mejora importante muere en 1851.
Daguerre al contrario de Nièpce aportó el lado mercantilista y espectacular con un procedimiento cuya originalidad le era propia. Aunque se trataba de algo costoso y de difícil manipulación, que tan solo producía una prueba única no multiplicable. Pese a sus defectos se propago por todo el mundo, abriendo definitivamente el camino a la fotografía.
El Daguerrotipo tuvo muy una buena acogida y pronto empezó a difundirse por Alemania, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, etc. Además se empezaron a vender cámaras que no llevaban la firma de Daguerre. Estos vendedores y los aficionados que las compraban, fueron los responsables de la evolución de las cámaras, aligerándolas de peso, construyéndolas con materiales baratos y lentes simples; y también reduciendo poco a poco el tiempo de exposición (en 1842 ya queda reducido a 30 o 40 segundos).
El segundo estudio oficial fue creado en Inglaterra por Antonie Claudet, que llegó a ser nombrado retratista ordinario de la reina Victoria. La primera revista fotográfica del mundo fue fundada en Nueva York en 1850 ( The Daguerreian Journal)
La gran popularidad del retrato forzó en cierta manera la aparición de los "estudios fotográficos". En aquella época en la que aún no existía la luz eléctrica en las ciudades, los estudios fotográficos eran grandes naves de armazón metálico donde las cúpulas de cristal hacían que éstas estuvieran dotadas de luz natural. Además, es de mencionar la decoración de estos estudios, donde lo primordial era hacer cómoda la larga exposición a la que era sometido el modelo.
Un buen ejemplo de esta decoración era el estudio de Luther Holman Holle en Boston, donde no faltaba un piano, una caja de música, jaulas de pájaros, largas cortinas, esculturas, pinturas, estampas, etc, que ayudaban, además de lo anteriormente mencionado, a apaciguar los nervios y a la obtención de una buena foto.
Sería curioso mencionar que en cierto tiempo fueron de uso aparatos y artilugios que, en forma de percheros, aguantaban las cabezas y ponían la espalda recta, de manera que el modelo no pudiera moverse, esto fue muy caricaturizado en la época.
El retrato no lo fue todo, ya que si algo tenía el paisaje era la luz y la no movilidad necesaria en los principios de la fotografía. Estos paisajes fueron denominados muertos ya que, al ser las fotos de larga exposición, no era posible captar ningún movimiento animal o humano.
Si en un daguerrotipo se encontraba un elemento animado resultaba desdibujado o no más nítido que una mancha. Aún así se han encontrado primitivos daguerrotipos hechos por aficionados tanto en ciudades europeas como en Estados Unidos.
Si en un daguerrotipo se encontraba un elemento animado resultaba desdibujado o no más nítido que una mancha. Aún así se han encontrado primitivos daguerrotipos hechos por aficionados tanto en ciudades europeas como en Estados Unidos.
Entre 1840 y 1844 se publicó la primera colección de álbumes de manos del óptico Lerebours, "Excursiones daguerriennes". Estaba compuesta por daguerrotipos copiados en grabados, y realzados con personajes, barcos, carruajes y animales añadidos por el grabador, hechos todos ellos por fotógrafos de todo el mundo contratados por Lerebours.En 1842 el fotógrafo Carl F. Stelzner saca con daguerrotipo la que será la primera fotografía de un suceso, un barrio de su ciudad, Hamburgo, desolado por un incendio.El daguerrotipo se utilizó también con fines científicos. Ya en 1839 el óptico Soleil construyó un microscopio-daguerrotipo; y en 1840 John William Draper sacó una fotografía de la Luna, cinco años más tarde, Fizeau y Foucault, hacían lo mismo con su astro gemelo, el Sol.Como vemos, el daguerrotipo fue muy expandido, pero a causa de su difícil manipulación estaba destinado a desaparecer.A pesar de la enorme popularidad del daguerrotipo, acabó desapareciendo. Su sucesor fue el calotipo. Ofrecía algunas ventajas de las que carecía el sistema de Daguerre.
Las causas por las que el daguerrotipo acabó desapareciendo fueron muy numerosas.
2.- El tiempo de exposición era extremadamente largo. Lo habitual eran 3 o 4 minutos. Como la mayor parte de los daguerrotipos eran retratos de personas lo normal es que la imagen estuviese movida, además de invertida. Se inventó un sistema de sujeción de la cabeza y el cuerpo para evitar este movimiento.
3.- La placa de cobre emulsionada con sales de plata se craquela fácilmente o se ennegrece en contacto con el agua o con el aire. Es por esto por lo que hay que enmarcarlos y utilizar un cristal convexo para evitar el roce del cristal con la madera.4.- Los daguerrotipos eran muy pesados. Tanto la cámara como las placas de cobre emulsionadas son de difícil manipulación. Además, la imagen hay que revelarla y fijarla con mercurio, un producto tóxico que es muy peligroso para la salud.
El desarrollo de la imagen sobre papel empezó en 1837 con pequeñas ideas por Bayard y Talbot.
William Henry Fox Talbot, puso a punto un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar papel negativo, en el cual se podía reproducir un número ilimitado de copias, partiendo de un único negativo.
En enero de 1839 Faraday presentó unas imágenes obtenidas, por Talbot, por simple exposición al sol de objetos aplicados sobre un papel sensibilizado. Talbot tras el conocimiento del hiposulfito a través de Herschel, obtuvo imágenes negativas.
Talbot descubrió que el papel cubierto con yoduro de plata, era más sensible a la luz, si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico. Disolución que podía ser utilizada para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el proceso de revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para fijarla, hacerla permanente. A este método Talbot se le denominó calotipo, requería unas exposiciones de 30 segundos para conseguir la imagen en el negativo.
Talbot llegó a conseguir, con cámaras muy reducidas con objetivos de gran diámetro, imágenes muy perfectas pero extremadamente pequeñas. A finales de 1840 enseñaría su nueva modificación del proceso, el Calotipo. Con una segunda operación Talbot conseguía una imagen positiva. Este método hacía posible la obtención de cuantos positivos se quisieran de un solo negativo.
La cámara siguió evolucionando. En 1854 aparece a través de Petzval, el objetivo de gran angular que abarcaba 92 grados, y en 1860 por Harrison y Schnitzer adaptan a este un diafragma iris.
Tras la desaparición del daguerrotipo alrededor de los 50 el calotipo cede rápidamente su lugar al colodión. La posibilidad de la imagen instantánea en una época donde el retrato era la finalidad de la fotografía, hace que empiece a aparecer la imagen del fotógrafo callejero.
El escultor y fotógrafo Sir Frederick Scott Archer propuso a la revista inglesa The Chemist, en marzo de 1851, el método del colodión perfectamente experimentado. El colodión, conocido también como algodón-pólvora, es una clase de explosivo cuya base es la celulosa nítrica.
Frederick Scott Archer puso unas planchas de cristal húmedas al utilizar colodión, en lugar de albúmina como material de recubrimiento, para aglutinar los compuestos sensibles a la luz. Estos negativos debían ser expuestos y revelados mientras estaban húmedos. Los fotógrafos precisaban de un cuarto oscuro cercano, para poder disponer de las planchas antes de la exposición y revelarlas de inmediato.
Este gran descubrimiento representaba un paso importante y decisivo en el desarrollo de la fotografía, al acercarse a la imagen instantánea con una exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo más perfeccionado. Pero lo más relevante fue su aplicación sobre diversos soportes, además del vidrio, como el cuero, el papel, el fierro, otros plásticos y cerámicas.
La instauración del colodión y sus numerosas ventajas frente al daguerrotipo y al calotipo dieron lugar al auge de la fotografía comercial. Los fotógrafos empezaron a especializarse y el número de estudios fotográficos aumentó considerablemente.
Las Carte de visite fueron creadas a mediados del siglo XIX por André Disderí. Este fotógrafo francés introdujo una modificación en la cámara que lo llevó al éxito inmediato.
Tras la dificultad que presentaba la manipulación en los exteriores del colodión, para perfeccionar un tipo de negativo que se pudiera exponer en seco, sin que se necesitara revelar inmediatamente después de su exposición, lleva a un nuevo estudio en investigación de la placa seca.
Tras muchos intentos sin éxito se propuso el gelatino de bromuro, quedando desbancado el colodión (1882). El gelatino-bromuro seca la placa.
Fue el fotógrafo británico Charles E. Bennett en 1878, quien inventó una plancha seca recubierta con una emulsión de gelatina y de bromuro de plata, similar a las modernas. En 1879, Swan patentó el papel seco de bromuro.
Tras muchos intentos sin éxito se propuso el gelatino de bromuro, quedando desbancado el colodión (1882). El gelatino-bromuro seca la placa.
Fue el fotógrafo británico Charles E. Bennett en 1878, quien inventó una plancha seca recubierta con una emulsión de gelatina y de bromuro de plata, similar a las modernas. En 1879, Swan patentó el papel seco de bromuro.
Imagen con gelatino de bromuro, 1882
El afán de buscar un soporte más práctico que el cristal, hace que el colodión y otros similares nos lleve hacia 1886 donde aparece la celulosa como superficie fotográfica y con unos excelentes resultados.
Más adelante, el acetato de celulosa sustituirá al celuloide. Las emulsiones se relacionan según los diferentes tipos de sensibilidad y la exposición a la luz y el soporte de la emulsión. Estos tipos de sensibilidad se denominan de forma escalonada bien en Din o en Asa/Iso.Mientras se iban investigando y haciendo experimentos para aumentar la eficacia de la fotografía en blanco y negro, se llevaron a cabo grandes esfuerzos para conseguir imágenes de los objetos en color natural. Para ello se utilizaban planchas recubiertas de emulsiones.En 1861, el físico británico James Clerk Maxwell obtuvo la primera fotografía en color, con el procedimiento aditivo de color.
Más adelante, el acetato de celulosa sustituirá al celuloide. Las emulsiones se relacionan según los diferentes tipos de sensibilidad y la exposición a la luz y el soporte de la emulsión. Estos tipos de sensibilidad se denominan de forma escalonada bien en Din o en Asa/Iso.Mientras se iban investigando y haciendo experimentos para aumentar la eficacia de la fotografía en blanco y negro, se llevaron a cabo grandes esfuerzos para conseguir imágenes de los objetos en color natural. Para ello se utilizaban planchas recubiertas de emulsiones.En 1861, el físico británico James Clerk Maxwell obtuvo la primera fotografía en color, con el procedimiento aditivo de color.
La instauración del colodión y sus numerosas ventajas frente al daguerrotipo y al calotipo dieron lugar al auge de la fotografía comercial. Los fotógrafos empezaron a especializarse y el número de estudios fotográficos aumentó considerablemente.
El colodión permitió hacer copias de la imagen, por lo que la venta de las mismas se disparó. La fotografía empezó a considerarse una actividad económica y, con ello, se convirtió en una profesión. Las tomas más características de este periodo son las llamadas "carte de visite".
Las Carte de visite fueron creadas a mediados del siglo XIX por André Disderí. Este fotógrafo francés introdujo una modificación en la cámara que lo llevó al éxito inmediato.
Fabricó cámaras de 6, 8 y hasta 12 objetivos con lo que podía impresionar en la placa hasta 12 fotografías diferentes. El tamaño aproximado de éstas era de 9 x 6 cm. El modelo tiene tiempo para cambiar de postura y aparecer distinto en cada toma.
Disderí vendía tarjetas de visita de los famosos de la época. De este modo la población pudo ver qué cara tenían algunos personajes como la Reina Victoria o Abraham Lincoln, entre otros.
Disderí vendía tarjetas de visita de los famosos de la época. De este modo la población pudo ver qué cara tenían algunos personajes como la Reina Victoria o Abraham Lincoln, entre otros.
La posibilidad de hacer copias de las tomas llevó también al comercio de fotografías eróticas. Mujeres trabajadoras, costureras, lavanderas, etc, sacaban un sobresueldo posando desnudas o semidesnudas.
Estas imágenes se vendían de forma ilegal en los estudios fotográficos por unos pocos francos. Pero todo es empezar...
La fotografía estereoscópica nace de la mano de la fotografía común. En 1838 Sir Charles Wheatstone publicó un artículo en el que describía la visión estereoscópica. Este descubrimiento pudo aplicarse pronto al nuevo invento de moda en la época.
Las cámaras estereoscópicas de la época tenían dos objetivos que impresionaban las placas sensibles con dos imágenes diferentes. Este tipo de cámara fue perfeccionada y comercializada por Sir David Brewster en 1851.
John Thompson fue uno de los máximos exponentes de la fotografía social. En 1877 publicó un álbum titulado "La vida de las calles de Londres".
En el siglo XIX la Fotografía no se consideraba arte. Ni siquiera los fotógrafos de la época consideraban que lo fuera. Esta pregunta empezó a plantearse alrededor de 1870 y ha seguido viva durante casi todo el siglo XX.
A principios del siglo XX, el mundo del arte entró en una profunda revolución. Se sentía una necesidad de romper con las formas tradicionales de representación artística predominantes en la época.Hasta ese momento el arte ilustraba fielmente el mundo que lo rodeaba. La creatividad y las cualidades del artista eran aportados por elementos como la luz o el encuadre. Fruto de este deseo de ruptura con lo figurativo nacen las llamadas vanguardias.La fotografía, como elemento artístico, no fue ajeno a todos estos cambios y siguió un camino paralelo a la pintura. Las doctrinas que la fotografía adoptó fueron el surrealismo, el dadaísmo, el expresionismo y el futurismo, entre otras.
En la primera década del siglo XX, la fotografía y la pintura se fundieron para crear una técnica que se utilizó en la mayoría de las expresiones vanguardistas: el collage.
Esta técnica se usaba desde mediados del siglo XIX para elaborar álbumes de recortes, pero fue en el siglo XX cuando los artistas lo pusieron de moda entre el público.
Por otra parte, el fotomontaje (una mezcla artística a base de distintas imágenes) surgió a mitad de la segunda década del siglo XX y el dadaísmo lo usó como expresión de su doctrina.
Existen varias teorías acerca del origen del nombre "Dadá". Se cree que representa el balbuceo de un niño como simbolismo de la vuelta a la infancia. También se baraja la posibilidad de que fuese escogido al azar en un diccionario.
Las máximas representaciones de la fotografía dadaísta son el fotomontaje y el collage. Ambos suelen contener los elementos básicos que identifican el movimiento. Letras, textos, imágenes superpuestas, etc. Todos ellos sin orden ni concierto aparente.
Las obras se difunden gracias a las revistas publicadas en el momento. Gracias a éstas el dadaísmo se extiende y da a conocer.
Man Ray fue uno de los precursores de la fotografía dadaísta. Junto con Marcel Duchamp y Francis Picabia fundaron el dadaísmo neoyorkino. Posteriormente, lo fundarían en París. Fotógrafos como Alfred Stieglitz apoyaron el movimiento Dadá en Nueva York.
En países como Alemania las fotografías dadaístas tuvieron un marcado carácter ideológico y político. Los ideales anarquistas y comunistas fueron los más relacionados con este tipo de arte. Hannah Höch y John Heartfield fueron dos de los autores más importantes de la vanguardia alemana.
El dadaísmo y el surrealismo fueros movimientos artísticos íntimamente relacionados hasta que se separaron en 1924.
El surrealismo es el heredero artístico del dadaísmo. Ambos movimientos compartieron planteamientos estéticos y ciertos artistas como Marcel Duchamp o Man Ray.El surrealismo como vanguardia fue fundado a principios de los años 20 por André Bretón. El artista francés sentó las bases del movimiento en el manifiesto publicado en 1924.En sus orígenes, el surrealismo surgió como un estilo literario pero pronto se extendió a otras artes, entre ellas la pintura y la fotografía.
El surrealismo inundó la fotografía de artistas como Man Ray que ya había practicado el dadaísmo. Tomó de este movimiento algunas técnicas como el collage y las llevó más allá creando otras nuevas.
Los llamados "object trouvé" u "objetos encontrados" serán ampliamente representados en la fotografía surrealista.
Otras técnicas muy extendidas en el mundo de la imagen son los rayogramas de Man Ray, las schadografíasde Christian Schad o los fotogramas de Moholy-Nagy.
El modo de trabajar de estos fotógrafos se basaba en el automatismo, en la representación inconsciente de la realidad y en la manipulación de sus imágenes.
El futurismo como movimiento artístico nació en Italia en el periodo de entre las dos guerras mundiales. El ideal de belleza futurista se basaba en la idea de velocidad.
El poeta Filippo Tommaso Marinetti fue quien hizo la apología de su estética y el encargado de redactar su manifiesto. Marinetti afirmaba que era necesario prenderle fuego a todos los museos de bellas artes. La idea máxima de belleza futurista él la encontraba en la rueda de un automóvil, no solo porque era bella, sino porque también era útil.
El futurismo busca romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Tenía dos temas dominantes, la máquina y el movimiento.
La manera en que los artistas, tanto pintores, como escultores y fotógrafos representaron esa idea de velocidad fue a través de la repetición seriada del mismo objeto. Esta repetición provocaba en el ojo la sensación de movimiento. En pintura y escultura el máximo exponente futurista fue Umberto Boccioni.
El Arte Pop es un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos. Nace como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto al que consideraban vacío y elitista.
El Pop Art se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo, de la comunicación de masas y de la publicidad, aplicados a distintas disciplinas.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente. Su finalidad es lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica con el consumismo de la época. Como su propio nombre indica el "Arte Popular" toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida. Es la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo. Los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Todas las técnicas usadas en fotografismo fueron válidas para el arte pop. La fotografía es manipulada hasta el extremo para conseguir sorprender al espectador.
La tipografía, la caligrafía, el dibujo, la ilustración, el graffiti y todo tipo de texturas se unen y superponen a la imagen fotográfica. El color es igualmente manipulado en todas sus dimensiones, virados, fotografías coloreadas, pintadas a mano o con el aerógrafo, solarizaciones, bitonos, ampliaciones de la trama de cuatricromía, serigrafía y un sinfín de posibilidades.
Este movimiento artístico y cultural tiene su culminación en el Hiperrealismo o en el Nuevo Realismo que se desarrolló después de 1962.
Nicéphore Niepce fue un científico, inventor y fotógrafo francés que nació en el año 1765 y murió en 1833. Fue el inventor, junto a su hermano, de un motor para barco y, junto a Daguerre, de la fotografía.Interesado en la litografía, empezó realizando copias de obras de arte utilizando los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la genial idea de tratar de poner en relación la cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas.Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros.Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.
La fotografía estereoscópica nace de la mano de la fotografía común. En 1838 Sir Charles Wheatstone publicó un artículo en el que describía la visión estereoscópica. Este descubrimiento pudo aplicarse pronto al nuevo invento de moda en la época.
Se basa en la visión humana y en la separación de, aproximadamente, 65 mm. que existe entre nuestros ojos. Éstos reciben cada uno una imagen diferente que el cerebro une creando el efecto de tridimensionalidad.
Las cámaras estereoscópicas de la época tenían dos objetivos que impresionaban las placas sensibles con dos imágenes diferentes. Este tipo de cámara fue perfeccionada y comercializada por Sir David Brewster en 1851.
Para conseguir la visión en tres dimensiones se inventó un aparato llamado estereoscopio. Con él se ponen las fotografías una al lado de otra y pueden ser vistas de manera que el cerebro las integre en una sola.
Los grandes estudios y fotógrafos como J. Laurent o Roger Fenton pusieron de moda este tipo de fotografía.
Los grandes estudios y fotógrafos como J. Laurent o Roger Fenton pusieron de moda este tipo de fotografía.
El grueso de estas imágenes data de finales del siglo XIX y llegan hasta 1910 aproximadamente. La mayoría de ellas muestra animales exóticos, mamíferos poco conocidos, paisajes, etc. Personajes como La Reina Victoria de Inglaterra fueron retratados con este sistema. La mayor producción de fotografías estereoscópicas estaba en Nueva York, Berlín y Londres.
Llegó a usarse como material didáctico en las escuelas a comienzos del s. XX.
La aplicación que tendría la fotografía en los viajes fue descrita por Maxime Du Camp: "Ya no será necesario realizar peligrosos viajes. La heliografía confiada a algunos intrépidos dará por nosotros la vuelta al mundo y nos traerá el universo en una carpeta sin que abandonemos nuestro sillón".
A partir de 1850 los países de moda son Italia, Grecia y Turquía. Se conservan álbums completos sobre Pompeya, Palermo, Atenas y Constantinopla. El inglés John Shaw Smith fotografió España y Portugal entre 1849 y 1850.
En 1851 la comisión para los monumentos artísticos de Francia encargó a una serie de fotógrafos que realizasen un catálogo de imágenes para constituir un conjunto del patrimonio arquitectónico francés.
En 1884 el americano George Eatsman fabricó la primera película en carrete de 24 exposiciones.
En 1888 lanzó al mercado otro aparato revolucionario de pequeñas dimensiones (18cm de largo) que estaba provisto de un cargador de 100 exposiciones. Dotado de un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba a la casa, que revelaba las 100 fotos y recargaba de nuevo la máquina con otro carrete.
Costaba alrededor de 25 dólares y se publicó con el eslogan "Usted apriete el botón, nosotros haremos el resto". Este nuevo invento recibió un nombre que se haría famoso en la historia de la fotografía: Kodak.
Eastman al crear la primera cámara fotográfica, fundó también en (1854-1932) la casa Kodak.
Eastman incluyó en 1891 la primera película intercambiable a la luz de día. De la película sobre papel se pasó en 1889 a la película celuloide, sistema que seguimos empleando hoy en día.
En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color. Consistían en unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se realizaban con cámaras de tres exposiciones.
Más tarde se comenzó a utilizar la fotografía en la imprenta para la ilustración de textos y revistas, lo que generó una gran demanda de fotógrafos para las ilustraciones publicitarias.
Más tarde se comenzó a utilizar la fotografía en la imprenta para la ilustración de textos y revistas, lo que generó una gran demanda de fotógrafos para las ilustraciones publicitarias.
Imagen por Louis Lumière, Autochrome 1907
También llegó la proliferación de este arte, oficio y profesión, ya que fue requerido por personajes de la política, la cultura etc., que valoraban en la fotografía la posibilidad de permanecer para la posteridad, reflejada su imagen lo más cercana a la realidad, y así perpetuarse en el recuerdo de sus descendientes
Ya Nièpce y Daguerrere se lamentaron de no poder reproducir los colores en la superficie sensible. Tanto Abel Nièpce, como Alphonse Poitevin y Edmond Becquerel obtuvieron resultados de sus investigaciones, pero ninguno concluyente.
Charles Cros y Louis Ducos du Hauron coincidieron en enviar, el mismo día 2 de mayo de 1869, a la Sociedad francesa de Fotografía métodos similares sobre la reproducción de los colores en fotografía. Ducos (1837-1920) obtenía sucesivamente tres negativos del mismo tema a través de un filtro colocado entre la placa y el objetivo. Un selector apropiado interceptaba uno de los colores primarios para cada negativo.
El positivo transparente se obtenía con la utilización del colorante correspondiente al color que representaba cada negativo. La tricromía es el principio de todos los métodos de fotografía en color, ya sean sustractivos o aditivos. Después de los procedimientos que necesitan tres negativos, los sistemas de reticulados o de mosaicos simplificaron mucho el proceso, ya que obtenían la selección de los colores primarios en una sola superficie.
Charles Cros y Louis Ducos du Hauron coincidieron en enviar, el mismo día 2 de mayo de 1869, a la Sociedad francesa de Fotografía métodos similares sobre la reproducción de los colores en fotografía. Ducos (1837-1920) obtenía sucesivamente tres negativos del mismo tema a través de un filtro colocado entre la placa y el objetivo. Un selector apropiado interceptaba uno de los colores primarios para cada negativo.
El positivo transparente se obtenía con la utilización del colorante correspondiente al color que representaba cada negativo. La tricromía es el principio de todos los métodos de fotografía en color, ya sean sustractivos o aditivos. Después de los procedimientos que necesitan tres negativos, los sistemas de reticulados o de mosaicos simplificaron mucho el proceso, ya que obtenían la selección de los colores primarios en una sola superficie.
Imagen tomada por Louis Ducos en 1872
El procedimiento Autochrome, lanzado por los hermanos Lumiére en 1908, se utilizaron durante algunos años y más tarde se abandonó su uso, por el alto coste. Una fotografía auto cromada mirada con lupa o ampliada, nos da la misma impresión visual que la de un cuadro puntillista
En 1923 aparece en el mercado una máquina fotográfica ligera, versátil y nueva: la Leica. Esta cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925. Fue creada por Oscar Barnack, un dependiente de la fábrica alemana de óptica Leit.
Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo famosa entre los fotógrafos profesionales y los aficionados.
Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo famosa entre los fotógrafos profesionales y los aficionados.
Fotografía Leica 1925
Aparición Kodachome y Agfacolor
Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico.
A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz.
Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color en 1941 Kodacolor, contribuyó a dar impulso a su popularización.
La fotografía ha ido evolucionando a lo largo de la historia, desde sus rudimentarios inicios hasta la fotografía digital actual. Hasta llegar a ser lo que conocemos hoy en día ha recorrido un largo camino.
Los pocos encargos industriales para fotógrafos vienen, o bien del Estado, o bien de los grandes magnates.
De la misma forma que la fotografía se asoció con la industria, también hizo sus primeras incursiones como herramienta de trabajo en el mundo de la ciencia.La fotografía fue usada en medicina por el psiquiatra Hugh Welch Diamond. El doctor Diamond es considerado el padre de la fotografía psiquiátrica.Fue uno de los fundadores de la Sociedad Fotográfica de Londres y ejerció la medicina influenciado por su padre. Retrató a sus pacientes con la intención de plasmar en la imagen los distintos tipos de locura o dolencias psiquiátricas.
En 1859 René Dagron inventó y patentó la microfotografía. Usó el procedimiento de la reducción para crear una industria de servicio postal entre París y Tours usando palomas mensajeras. El invento fue llamado microfilm.
Los mensajes eran agrupados y reducidos para entrar en una película de 6 cm2. Ésta podía tener entre 3000 y 4000 mensajes. En su destino era ampliada y descifrada.
La microfotografía empezó a desarrollarse ampliamente en diferentes países como Gran Bretaña, Alemania y EEUU.
A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz.
Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color en 1941 Kodacolor, contribuyó a dar impulso a su popularización.
Los avances en las prestaciones de los objetivos, llegaron a partir del año 1903 con los objetivos fabricados por Zeiss. Otros progresos fueron aportados por el sistema réflex en 1828. La primera cámara réflex binocular con un objetivo para la toma, otro para el encuadre y el enfoque, fue construida por H.Cook en 1865
Polaroid Land, por Edwin Herbert Land
Algunos investigadores se dedicaron a experimentar el método de fotografía instantánea, es decir, especularon con la posibilidad de revelar la película en el interior de la cámara fotográfica, en lugar de la cámara oscura (laboratorio).
La fotografía instantánea se hizo realidad en 1947, con la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land.
Este revolucionario invento añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.
La fotografía instantánea se hizo realidad en 1947, con la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land.
Este revolucionario invento añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.
EVOLUCIÓN DE LA FOTOGRAFÍA:
La fotografía ha ido evolucionando a lo largo de la historia, desde sus rudimentarios inicios hasta la fotografía digital actual. Hasta llegar a ser lo que conocemos hoy en día ha recorrido un largo camino.
La fotografía ha sido utilizada como apoyo de diversas disciplinas. El arte, la ciencia o la industria se han beneficiado de este invento. Muchas otras no habrían alcanzado el reconocimiento mundial si no se hubieran difundido a través de la imagen.
En esta sección veremos como la fotografía ha formado parte fundamental en la sociedad o cómo ha bebido de las fuentes artísticas que imperaban en cada época de su historia.
En esta sección veremos como la fotografía ha formado parte fundamental en la sociedad o cómo ha bebido de las fuentes artísticas que imperaban en cada época de su historia.
A mediados del siglo XIX la fotografía se pone al servicio del desarrollo industrial. Los socialistas utópicos como Robert Owen o Charles Fourier son dos de los padres de esta relación. Fueron los primeros en sugerir que la fotografía debía abandonar el ámbito privado y comenzar a tener una utilidad nueva.
En la Exposición Universal de 1851 tomaron más de 150 imágenes para ilustrar los informes del jurado y documentar lo que allí estaba sucediendo.
Esta exposición tuvo lugar en el "Crystal Palace". Entre 1853 y 1854 fue trasladado desde Hyde Park hacia la zona sur de Londres. Philippe H. Delamotte fue el encargado de fotografiar el traslado y la obra de reconstrucción. Al término de esta había tomado cerca de 160 clichés. Esta fue la primera documentación fotográfica sobre la construcción de un edificio.
En la Exposición Universal de 1851 tomaron más de 150 imágenes para ilustrar los informes del jurado y documentar lo que allí estaba sucediendo.
Esta exposición tuvo lugar en el "Crystal Palace". Entre 1853 y 1854 fue trasladado desde Hyde Park hacia la zona sur de Londres. Philippe H. Delamotte fue el encargado de fotografiar el traslado y la obra de reconstrucción. Al término de esta había tomado cerca de 160 clichés. Esta fue la primera documentación fotográfica sobre la construcción de un edificio.
Los pocos encargos industriales para fotógrafos vienen, o bien del Estado, o bien de los grandes magnates.
El barón James de Rothschild, propietario de la compañía de Ferrocarriles del Norte, encargó en 1855 a Edouard Baldus 25 ejemplares de un álbum de 50 fotografías cada uno sobre la línea de ferrocarril París - Boulogne.
En Francia, el fotógrafo Auguste Collard es contratado por el ministerio de obras públicas para fotografiar sus puentes en construcción y dejar constancia del París de la época. Se sabe que realizó, como mínimo, 8 álbums.
En Inglaterra, gracias a los avances de la revolución industrial las fotografías tomadas a este respecto son mucho más numerosas que en el resto del mundo. Aquí se fotografiaron las construcciones de barcos, las fundiciones donde siempre se incluían a los obreros o los barcos y sus calderas.
En Francia, el fotógrafo Auguste Collard es contratado por el ministerio de obras públicas para fotografiar sus puentes en construcción y dejar constancia del París de la época. Se sabe que realizó, como mínimo, 8 álbums.
En Inglaterra, gracias a los avances de la revolución industrial las fotografías tomadas a este respecto son mucho más numerosas que en el resto del mundo. Aquí se fotografiaron las construcciones de barcos, las fundiciones donde siempre se incluían a los obreros o los barcos y sus calderas.
En España Charles Clifford fue contratado para fotografiar las obras públicas realizadas por la Reina Isabel II. Sus imágenes industriales más conocidas son las de la construcción del Canal de Isabel II y sus puentes.
LA CIENCIA EN LA FOTOGRAFÍA:
De la misma forma que la fotografía se asoció con la industria, también hizo sus primeras incursiones como herramienta de trabajo en el mundo de la ciencia.La fotografía fue usada en medicina por el psiquiatra Hugh Welch Diamond. El doctor Diamond es considerado el padre de la fotografía psiquiátrica.Fue uno de los fundadores de la Sociedad Fotográfica de Londres y ejerció la medicina influenciado por su padre. Retrató a sus pacientes con la intención de plasmar en la imagen los distintos tipos de locura o dolencias psiquiátricas.Fotografía astronómica y aérea
La fotografía se pone también al servicio de la astronomía. En 1852, Warren de la Rue fue el primero en obtener fotografías de la Luna. A partir de 1865 se fotografían regularmente los eclipses de Sol.En 1861 el ejército de la Unión en los EEUU vigila los movimientos de la tropas enemigas con fotografías hechas desde un globo y con ayuda de un telégrafo.En ese mismo año el fotógrafo se pone al servicio del ejército desde un punto de vista topográfico.
Microfotografía
En 1859 René Dagron inventó y patentó la microfotografía. Usó el procedimiento de la reducción para crear una industria de servicio postal entre París y Tours usando palomas mensajeras. El invento fue llamado microfilm.La microfotografía empezó a desarrollarse ampliamente en diferentes países como Gran Bretaña, Alemania y EEUU.
LA FOTOGRAFÍA DE VIAJES:
La fotografía se relaciona con los viajes desde sus comienzos, con el descubrimiento del daguerrotipo en 1839. Entre 1840 y 1844 Noel Lerebours recopiló una serie de daguerrotipos de viajes. Las publicó bajo el nombre de "Excursiones Daguerrianas: las ciudades y monumentos más notables del globo". Estas placas estaban impresionadas por diferentes fotógrafos y un grabador le resaltaba los elementos más difusos como nubes o personas.
Lerebours trabajó y realizó instantáneas en Francia e Italia y con otros colaboradores fotografió Grecia, Siria y Egipto. Usar daguerrotipos en los viajes suponía grandes inconvenientes: transportar gran número de placas argentadas, el peso del equipo y la fragilidad de las pruebas únicas.
Lerebours trabajó y realizó instantáneas en Francia e Italia y con otros colaboradores fotografió Grecia, Siria y Egipto. Usar daguerrotipos en los viajes suponía grandes inconvenientes: transportar gran número de placas argentadas, el peso del equipo y la fragilidad de las pruebas únicas.
Las ventajas del Calotipo
A finales de 1840, cuando el Calotipo permitió sustituir el metal por el papel, la fotografía de viaje tuvo su verdadera difusión. George Bridges, ayudante de Talbot, realizó entre 1846 y 1852, 1500 negativos sobre papel que abarcan desde Italia hasta Egipto.
La aplicación que tendría la fotografía en los viajes fue descrita por Maxime Du Camp: "Ya no será necesario realizar peligrosos viajes. La heliografía confiada a algunos intrépidos dará por nosotros la vuelta al mundo y nos traerá el universo en una carpeta sin que abandonemos nuestro sillón".En 1851 la comisión para los monumentos artísticos de Francia encargó a una serie de fotógrafos que realizasen un catálogo de imágenes para constituir un conjunto del patrimonio arquitectónico francés.
LA FOTOGRAFÍA SOCIAL:
A finales del siglo XIX la fotografía sufre una evolución que la lleva a tener usos nuevos. El paso del metal al papel, cámaras más manejables y portátiles y el uso del flash de magnesio hacen que los fotógrafos salgan a la calle. El uso reivindicativo de la fotografía en la sociedad deprimida de la época fue inevitable.
La temática social más retratada es la laboral. Los fotógrafos comprometidos social y políticamente inmortalizan a los obreros, sus condiciones de trabajo, las condiciones sanitarias, etc. Desarrollan también una retórica de la objetividad que en fotografía se traduce en cortes accidentales, desenfoques, decorados y vestidos no preparados, etc.
En el resto de las actividades artísticas la temática también estaba de moda con el "arte social" o "arte realista. Nunca antes un obrero había protagonizado una obra de arte.
La temática social más retratada es la laboral. Los fotógrafos comprometidos social y políticamente inmortalizan a los obreros, sus condiciones de trabajo, las condiciones sanitarias, etc. Desarrollan también una retórica de la objetividad que en fotografía se traduce en cortes accidentales, desenfoques, decorados y vestidos no preparados, etc.
En el resto de las actividades artísticas la temática también estaba de moda con el "arte social" o "arte realista. Nunca antes un obrero había protagonizado una obra de arte.
John Thompson fue uno de los máximos exponentes de la fotografía social. En 1877 publicó un álbum titulado "La vida de las calles de Londres".
Realizó numerosos viajes a Oriente para retratar a su gente. Visitó China, Camboya, Tailandia, etc. De sus viajes publicó numerosos álbums como "Ilustraciones de China y sus gentes" o "Las antigüedades de Camboya".
Con este tipo de Fotografías pretende atraer la atención de la sociedad victoriana acomodada sobre un mundo de gitanos, cocheros, vendedoras de flores, mozos de cuerdas, antiguos reincidentes, etc.
Cuando vuelve a Londres se convierte en fotógrafo de la Royal Geographical Society y se dedica a la reproducción de obras de arte.
Con este tipo de Fotografías pretende atraer la atención de la sociedad victoriana acomodada sobre un mundo de gitanos, cocheros, vendedoras de flores, mozos de cuerdas, antiguos reincidentes, etc.
Cuando vuelve a Londres se convierte en fotógrafo de la Royal Geographical Society y se dedica a la reproducción de obras de arte.
Fotógrafos como Jacob Riis, Paul Martin, Lewis Hine o Dorothea Lange fueron los continuadores y máximos exponentes de este tipo de imágenes.
LA FOTOGRAFÍA Y EL ARTE:
En el siglo XIX la Fotografía no se consideraba arte. Ni siquiera los fotógrafos de la época consideraban que lo fuera. Esta pregunta empezó a plantearse alrededor de 1870 y ha seguido viva durante casi todo el siglo XX.
A pesar de todo, la fotografía siempre ha sido un instrumento al servicio del arte. Desde sus orígenes su función ha sido facilitar el trabajo al pintor, escultor o grabador. Se tomaba una imagen del modelo o del paisaje y no se necesitaban horas de posado o traslados.
Pintores como Delacroix o Gustave Courbet obtuvieron modelos por ese procedimiento. Incluso algunos artistas llegaron a reproducir sus obras a través de fotografías para venderlas a precios módicos. Era frecuente que se usaran como regalos de Navidad.
Blanouart-Eurapd fundó en 1851 una imprenta llamada "Imprimerie Photographique". En ella publicaría álbums para artistas y aficionados.
Pintores como Delacroix o Gustave Courbet obtuvieron modelos por ese procedimiento. Incluso algunos artistas llegaron a reproducir sus obras a través de fotografías para venderlas a precios módicos. Era frecuente que se usaran como regalos de Navidad.
Blanouart-Eurapd fundó en 1851 una imprenta llamada "Imprimerie Photographique". En ella publicaría álbums para artistas y aficionados.
Esta imprenta fue la primera en reproducir obras de arte y figuras o modelos para artistas: monumentos, esculturas, relieves, lugares célebres, curiosidades arqueológicas, copias de cuadros, etc.
Este tipo de fotografía tuvo un gran éxito entre 1860 y 1870. Todas esas reproducciones se exponían con frecuencia.
En 1853 el British Museum instala un estudio de fotografía con material para documentar y clasificar todas sus obras de arte. Nace así la fotografía museística bajo la dirección de Robert Fenton.
Este tipo de fotografía tuvo un gran éxito entre 1860 y 1870. Todas esas reproducciones se exponían con frecuencia.
En 1853 el British Museum instala un estudio de fotografía con material para documentar y clasificar todas sus obras de arte. Nace así la fotografía museística bajo la dirección de Robert Fenton.
LA FOTOGRAFÍA VANGUARDISTA:
A principios del siglo XX, el mundo del arte entró en una profunda revolución. Se sentía una necesidad de romper con las formas tradicionales de representación artística predominantes en la época.Hasta ese momento el arte ilustraba fielmente el mundo que lo rodeaba. La creatividad y las cualidades del artista eran aportados por elementos como la luz o el encuadre. Fruto de este deseo de ruptura con lo figurativo nacen las llamadas vanguardias.La fotografía, como elemento artístico, no fue ajeno a todos estos cambios y siguió un camino paralelo a la pintura. Las doctrinas que la fotografía adoptó fueron el surrealismo, el dadaísmo, el expresionismo y el futurismo, entre otras.El collage y el fotomontaje
En la primera década del siglo XX, la fotografía y la pintura se fundieron para crear una técnica que se utilizó en la mayoría de las expresiones vanguardistas: el collage.Por otra parte, el fotomontaje (una mezcla artística a base de distintas imágenes) surgió a mitad de la segunda década del siglo XX y el dadaísmo lo usó como expresión de su doctrina.
En España se desarrolló más tarde que en el resto de Europa. Autores como Massana, Catalá i Pic, Gabriel Casas, Josep Sola o Josep María Lladó lo aplicaron a la publicidad.
También figuras como Gregorio Prieto, Benjamín Palencia, Remedio Varó o Manuel Monleón lo desarrollaron y lo llevaron a la práctica como pura expresión artística.
Nicolás de Lekuona y Josep Renau fueron los dos autores más carismáticos de la vanguardia fotográfica española. Ambos simbolizaban el compromiso con las ideas y el deseo de romper con viejas estructuras.
También figuras como Gregorio Prieto, Benjamín Palencia, Remedio Varó o Manuel Monleón lo desarrollaron y lo llevaron a la práctica como pura expresión artística.
Nicolás de Lekuona y Josep Renau fueron los dos autores más carismáticos de la vanguardia fotográfica española. Ambos simbolizaban el compromiso con las ideas y el deseo de romper con viejas estructuras.
LA FOTOGRAFÍA Y EL DAIDAÍSMO:
El dadaísmo surge a principios del siglo XX en Suiza de la mano de Tristán Tzara y Hugo Ball. Nace como protesta contra las normas ortodoxas causantes de la primera Guerra Mundial. Los dadaístas niegan el concepto de la razón positivista y se revelan contra el arte burgués imperante en la época. Es por esto por lo que son conocidos como los "anti-artistas".
El movimiento dadá era un modo de vivir para sus integrantes. Tenían una actitud burlesca y humorística y su base principal es el absurdo. Sus obras literarias son meras sucesiones de palabras, a veces incomprensibles.
El movimiento dadá era un modo de vivir para sus integrantes. Tenían una actitud burlesca y humorística y su base principal es el absurdo. Sus obras literarias son meras sucesiones de palabras, a veces incomprensibles.
Existen varias teorías acerca del origen del nombre "Dadá". Se cree que representa el balbuceo de un niño como simbolismo de la vuelta a la infancia. También se baraja la posibilidad de que fuese escogido al azar en un diccionario.Las obras se difunden gracias a las revistas publicadas en el momento. Gracias a éstas el dadaísmo se extiende y da a conocer.
Man Ray fue uno de los precursores de la fotografía dadaísta. Junto con Marcel Duchamp y Francis Picabia fundaron el dadaísmo neoyorkino. Posteriormente, lo fundarían en París. Fotógrafos como Alfred Stieglitz apoyaron el movimiento Dadá en Nueva York.El dadaísmo y el surrealismo fueros movimientos artísticos íntimamente relacionados hasta que se separaron en 1924.
LA FOTOGRAFÍA Y EL SURREALISMO:
El surrealismo es el heredero artístico del dadaísmo. Ambos movimientos compartieron planteamientos estéticos y ciertos artistas como Marcel Duchamp o Man Ray.El surrealismo como vanguardia fue fundado a principios de los años 20 por André Bretón. El artista francés sentó las bases del movimiento en el manifiesto publicado en 1924.En sus orígenes, el surrealismo surgió como un estilo literario pero pronto se extendió a otras artes, entre ellas la pintura y la fotografía.
Bases del surrealismo
André Bretón describió el surrealismo como el automatismo psíquico puro. A través de este automatismo el artista intenta expresar cómo funciona realmente el pensamiento humano. La razón no intervendrá en sus manifestaciones y dejará de lado las preocupaciones morales o estéticas.Es por todo esto por lo que el mundo onírico de los sueños adquiere una importancia notable. Técnicas como la escritura automática serán muy empleadas por los surrealistas.
Técnicas fotográficas surrealistas
El surrealismo inundó la fotografía de artistas como Man Ray que ya había practicado el dadaísmo. Tomó de este movimiento algunas técnicas como el collage y las llevó más allá creando otras nuevas.Otras técnicas muy extendidas en el mundo de la imagen son los rayogramas de Man Ray, las schadografíasde Christian Schad o los fotogramas de Moholy-Nagy.
El modo de trabajar de estos fotógrafos se basaba en el automatismo, en la representación inconsciente de la realidad y en la manipulación de sus imágenes.
LA FOTOGRAFÍA FUTURISTA:
El futurismo como movimiento artístico nació en Italia en el periodo de entre las dos guerras mundiales. El ideal de belleza futurista se basaba en la idea de velocidad.El futurismo busca romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Tenía dos temas dominantes, la máquina y el movimiento.
La manera en que los artistas, tanto pintores, como escultores y fotógrafos representaron esa idea de velocidad fue a través de la repetición seriada del mismo objeto. Esta repetición provocaba en el ojo la sensación de movimiento. En pintura y escultura el máximo exponente futurista fue Umberto Boccioni.
Los hermanos Bragaglia, Anton y Arturo, fueron los fotógrafos más representativos del movimiento.
Se utilizaron técnicas nuevas como la doble exposición o la distorsión de las lentes y la óptica. También experimentaron con la llamada cronofotografía gracias al revólver astronómico de Janssen.
Se utilizaron técnicas nuevas como la doble exposición o la distorsión de las lentes y la óptica. También experimentaron con la llamada cronofotografía gracias al revólver astronómico de Janssen.
LA FOTOGRAFÍA Y EL ARTE POP:
El Arte Pop es un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos. Nace como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto al que consideraban vacío y elitista.El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente. Su finalidad es lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica con el consumismo de la época. Como su propio nombre indica el "Arte Popular" toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida. Es la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo. Los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
El inglés Richard Hamilton es uno de los pioneros del Pop Art británico. Su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos? ha sido considerado la primera obra del movimiento.
La fotografía Pop Art se presenta como imagen de choque y tiene una atracción poderosa para el espectador. La representación del motivo en el pop es asombrosamente literal.
Esto es especialmente llamativo en artistas como Roy Lichtenstein o Andy Warhol. Las fotografías de Andy Warhol de latas de sopa de tomate son el mejor ejemplo de esta literalidad.
La fotografía Pop Art se presenta como imagen de choque y tiene una atracción poderosa para el espectador. La representación del motivo en el pop es asombrosamente literal.
Esto es especialmente llamativo en artistas como Roy Lichtenstein o Andy Warhol. Las fotografías de Andy Warhol de latas de sopa de tomate son el mejor ejemplo de esta literalidad.
Todas las técnicas usadas en fotografismo fueron válidas para el arte pop. La fotografía es manipulada hasta el extremo para conseguir sorprender al espectador.Este movimiento artístico y cultural tiene su culminación en el Hiperrealismo o en el Nuevo Realismo que se desarrolló después de 1962.
"Fotógrafos del siglo XIX..."
En esta sección se relacionan los personajes relevantes en la historia de la fotografía, fotógrafos famosos que han sido decisivos en el desarrollo de la fotografía actual.
Sus biografías, todos los descubrimientos e investigaciones, las trayectorias que llevaron a cabo en su época, así como las dificultades que encontraron, abrieron el camino que ha permitido llegar a todos los avances que conocemos hoy en día.
Destacamos entre ellos al que plasmó y demostró la primera imagen denominada heliografía, Josep Nicéphore Nièpce. Otro personaje famoso en su época fue el creador de los aaguerrotipos, Louis Jacques Mandé Daguerre.
Sus biografías, todos los descubrimientos e investigaciones, las trayectorias que llevaron a cabo en su época, así como las dificultades que encontraron, abrieron el camino que ha permitido llegar a todos los avances que conocemos hoy en día.
Destacamos entre ellos al que plasmó y demostró la primera imagen denominada heliografía, Josep Nicéphore Nièpce. Otro personaje famoso en su época fue el creador de los aaguerrotipos, Louis Jacques Mandé Daguerre.
Nicéphore Niepce fue un científico, inventor y fotógrafo francés que nació en el año 1765 y murió en 1833. Fue el inventor, junto a su hermano, de un motor para barco y, junto a Daguerre, de la fotografía.Interesado en la litografía, empezó realizando copias de obras de arte utilizando los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la genial idea de tratar de poner en relación la cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas.Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros.Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.Descubre la primera HeliografíaUn par de años después, ya en el 1818, obtiene imágenes en positivo sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las únicas imágenes obtenidas.Al procedimiento lo llamó la Heliografía (que significa lo mismo que Fotografía), distinguiendo entre heliograbados y reproducciones de grabados ya existentes. Realizada unos diez años después de que consiguiera las primeras imágenes, recoge un punto de vista de una calle fijado sobre una placa de metal. Necesitó 2 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz.
Más tarde y causa de una apoplejía sufrida en su estudio de Saint Loup de Varennes, falleció el día 5 de julio de 1833, a los sesenta y ocho años, siendo enterrado en el cementerio del pueblo.
Gracias a la publicación en el año 1841 de la obra de su hijo Isidore Niépce, titulada Historia del descubrimiento del invento denominado daguerrotipo, se pudo aclarar su papel en la historia del descubrimiento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos.
Louis Jacques Mandé Daguerre (1789-1851) fue uno de los pioneros de la fotografía en la primera mitad del siglo XIX.
Inventor de origen vasco, nació en Cormeilles (París) el 18 de noviembre de 1787. Este pintor y decorador teatral, comenzó a investigar con el fin de mejorar el mundo de la imagen.
Comenzó a trabajar como arquitecto de aprendiz y a la edad de dieciséis años ya estaba como diseñador auxiliar en un teatro de París.
La sociedad era corta, Niépce murió en 1833 y Daguerre continuó investigando. Más tarde hizo un descubrimiento importante por accidente. En 1835 puso una placa expuesta en su armario químico y encontró desués de unos días, que se había convertido en una imagen latente.
Aunque daguerre ya sabía producir una imagen, no fue hasta 1837 que pudo fijarlas. Este nuevo proceso lo denominó "Daguerreotype".
Talbot fue reconocido durante su vida con muchos galardones, de los cuales podemos destacar los siguientes: la gran medalla de honor en la Expo de París en el año 1855, un título honorario por la Universidad de Edimburgo en 1864 y miembro honorífico de la Sociedad Fotográfica de Londres.
Su "Pencil of Nature" fue el primer libro publicado en el que se incluyeron fotografías impresas.
Inventor de origen vasco, nació en Cormeilles (París) el 18 de noviembre de 1787. Este pintor y decorador teatral, comenzó a investigar con el fin de mejorar el mundo de la imagen.
Comenzó a trabajar como arquitecto de aprendiz y a la edad de dieciséis años ya estaba como diseñador auxiliar en un teatro de París.
La sociedad era corta, Niépce murió en 1833 y Daguerre continuó investigando. Más tarde hizo un descubrimiento importante por accidente. En 1835 puso una placa expuesta en su armario químico y encontró desués de unos días, que se había convertido en una imagen latente.
Aunque daguerre ya sabía producir una imagen, no fue hasta 1837 que pudo fijarlas. Este nuevo proceso lo denominó "Daguerreotype".
El 7 de enero de 1839 se informó del descubrimiento, pero los detalles no fueron divulgados hasta el 19 de agosto cuando el proceso fue anunciado en público, el gobierno francés compro los derechos del proceso, cediéndolos libremente al resto del mundo.
Daguerre murió en 1851. Ese mismo año se inventó una nueva técnica, el proceso mojado del colodión, por Frederick Scott Archer.
Nació en Febrero de 1800, Científico y filólogo Inglés, fue uno de los pioneros en el ámbito fotográfico. Estudió matemáticas en Cambridge, pero tuvo diversas inquietudes en otros campos, como por ejemplo la botánica.
En 1835, Talbot consiguió plasmar en papel una galería del sur de la Abadía de Lacock. Talbot siguió sus investigaciones con papeles de plata y procesos de revelado hasta que, en 1841, patentó en Inglaterra el "calotipo" y empezó la verdadera historia de la fotografía, en la versión que más ha durado: la del negativo-positivo.
En 1849 presentó una nueva patente en el campo fotográfico que consistía, en utilizar la porcelana como soporte fotográfico.Nació en Febrero de 1800, Científico y filólogo Inglés, fue uno de los pioneros en el ámbito fotográfico. Estudió matemáticas en Cambridge, pero tuvo diversas inquietudes en otros campos, como por ejemplo la botánica.
A causa de sus problemas como dibujante, se interesó por otra clase de métodos mecánicos para capturar y retener las imágenes. A través del uso de la cámara oscura y la cámara de luz, empezó sus investigaciones durante su estancia de vacaciones a la orilla del lago Como.
Los conceptos de cámara oscura y cámara de luz ya habían sido desarrollados anteriormente, pero fueron la gran base para William Fox Talbot en sus primeras investigaciones.
Los conceptos de cámara oscura y cámara de luz ya habían sido desarrollados anteriormente, pero fueron la gran base para William Fox Talbot en sus primeras investigaciones.
Talbot fue reconocido durante su vida con muchos galardones, de los cuales podemos destacar los siguientes: la gran medalla de honor en la Expo de París en el año 1855, un título honorario por la Universidad de Edimburgo en 1864 y miembro honorífico de la Sociedad Fotográfica de Londres.
Su "Pencil of Nature" fue el primer libro publicado en el que se incluyeron fotografías impresas.
En 1854, Scott Archer desarrolla el proceso conocido como "colodión" que Talbot interpreta como una derivación de su calotipo y cubierto por su misma patente.
William Fox Talbot, dedicó el resto de su vida a la impresión mecánica de fotografías. Muere en Septiembre de 1877.
Noël Lerebours fue un óptico francés que tuvo una influencia notable en el mundo de la fotografía. Nació en 1807 y murió en 1873.
En 1840 inventó el microscopio de tambor bautizado con su nombre. El aparato fue muy popular hasta mediados de los años 50. Captaba la luz a través de un espejo y sus objetivos podían intercambiarse.
En el sector fotográfico fue el pionero en tomar imágenes de viajes. La técnica del daguerrotipo estaba recién estrenada. Lerebours tuvo la idea de contratar a diversos fotógrafos que viajaban por el mundo tomando instantáneas.
Estos daguerrotipos eran trasladados a un grabador, que los convertía en litografías. Les añadía nubes y resaltaba personajes, reflejos y sombras. La colección de tomas de los cuatro continentes fue titulada "Excursiones Daguerrianas: Las ciudades y monumentos más notables del globo".
El álbum estaba formado por 114 grabados y tiene vistas de lugares tan dispares como Egipto, Grecia, Francia, Italia o Siria. Los daguerrotipos de Lerebours suponían un gran inconveniente a sus fotógrafos ya que las placas y los equipos eran muy delicados y pesados.
Con la venta de su colección de paisajes, Noël Lerebours alcanzó la fama y, con ella, la riqueza. También se dedicó a la enseñanza del método del daguerrotipo a nuevos compañeros e introdujo en el mercado diversos artículos relacionados con la fotografía.
Al final de su vida había acumulado más de 1200 placas de cobre.
Anaïs Napoleón fue la primera mujer fotógrafa reconocida en España. Nació en Francia en 1827. Allí conoció a Antonio Fernández Soriano, con quien se casó y trasladó a Barcelona. Anaïs Napoleón aprendió de su marido todo lo que sabía de fotografía. Él había aprendido la técnica en Francia pocos años atrás. Para ganarse la vida vendía sus imágenes por la capital catalana.Fueron los primeros en hacer daguerrotipos en Barcelona junto con Frank, Alfonso Begué y Juan Parés.
Las Carte de visite de Disderí ya no eran daguerrotipos, sino colodiones, y se les podía sacar copias. Éstas se vendían en los estudios que el fotógrafo tenía por toda la ciudad. Consiguió tener una industria con casi 70 empleados gracias a sus patentes.
Nace en 1813 Gran Bretaña. Dedicado en principio al grabado y la escultura pronto se le despierta el interés por el mundo y proceso fotográfico del Calotipo. Empieza a trabajar con ello en 1847 para realizar fotografías a sus diseños de grabado.Mas tarde Archer da a conocer su invento que revolucionaría el mundo de la fotografía, el Colodión Húmedo. Este sistema era mucho más rápido que el Daguerrotipo y con una gran ventaja respecto a la exposición: esta era sensiblemente más corta.Desde su muerte en 1857 se le han reconocido otros inventos fotográficos que quedaron sin patentar, o que lo fueron por otros en muchas ocasiones. Esto se explica en gran parte debido a una posible falta de recursos económicos que Frederick Scott Archer tenía al final de su vida, lo que le impidió llevar a cabo sus investigaciones y nuevos descubrimientos.
Julia Margaret Cameron está considerada como una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una familia de diez hermanos. Hija de escocés y francesa pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India.
Roger Fenton nació en 1819 en Lancashire, Fotógrafo de origen británico fue uno de los pioneros de la fotografía en la mitad del siglo XIX.Se desplazó a París para estudiar derecho, pero compaginó estos estudios con su verdadera pasión, la fotografía.
En 1852 se desplazó a Rusia con un amigo, realizando numerosas fotografías de Moscú, San Petersburgo y Kiev, que son de las mejores de su obra. Al regresar de Londres fueron expuestas y ganó un gran reconocimiento, no sólo popular, sino también de la propia familia real.En 1855 viaja hasta Crimea a cubrir la batalla del mismo nombre, dejando un valioso y enorme testimonio de esta contienda. Se considera como el primer reportero de guerra.A su vuelta tuvo contactos con la familia real británica, llegando a asesorar al príncipe Alberto en el montaje de un laboratorio de fotografía en el propio castillo de Windsor.En 1860 realizó bodegones y en 1862, decepcionado por el tema de la conservación y la comercialización fotográfica, lo llevó a la pérdida de valiosos documentos, vendió todo su equipo y se retiró completamente de la fotografía.Falleció en 1869 a la edad de cincuenta años.
José Martínez Sánchez fue un fotógrafo valenciano nacido en 1808 y muerto en 1874. Es considerado uno de los primeros fotógrafos españoles de renombre. Tuvo estudios tanto en Valencia como en Madrid. Su estudio de Madrid estaba situado en plena Puerta del Sol y en él tuvo aprendices como Emilio Godínez que destacaron en la fotografía años después.
El fotógrafo Jean Laurent nació en Francia en 1816. Vivió en Garchizy en el distrito de Nevers hasta su traslado a Madrid en 1843.
Su nombre real era Gaspar Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo del siglo XIX.Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura, ciencias... y fue un conductor de la libertad de expresión.Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.En 1851 Nadar reprodujo en litografía un fresco gigantesco de casi 250 personajes que mostrasen toda la gloria literaria y artística de París.En 1854 Nadar abre un estudio de fotografía en el 113 de la Rue Saint-Lazare, en 1860 se le quedó pequeño y se cambia a un barrio más a la moda convirtiéndose en una élite de intelectuales
Su invento más destacado en torno a su trabajo fue el perfeccionamiento de un instrumento inventado por Jules Janssen en 1874. Creó así el "rifle fotográfico" que podía capturar doce imágenes por segundo. De esta manera podía congelarse el movimiento de casi cualquier cosa.
Eadweard Muybridge fue un investigador y fotógrafo inglés que nació en abril de 1830. Su verdadero nombre es Edward James Muggeridge. Se cambió el nombre con 21 años al emigrar a Estados Unidos aunque el de Eadweard Muybridge no fue el primero de ellos. Como ejemplo, se encuentran numerosas fotografías suyas firmadas con el nombre de Helio. Éste fue el nombre de su estudio y el que le pondría también a uno de sus hijos.Es mundialmente famoso y reconocido por sus trabajos en el estudio del movimiento humano y animal. Antes de eso trabajó como editor y como librero.Sus primeras imágenes fueron tomadas entre 1861 y 1866. En estos años fue cuando decidió tomarse la fotografía en serio, tras aprender la técnica del colodión húmedo. Los primeros temas en los que se centró su trabajo fueron el paisaje y la arquitectura.
El verdadero nombre de Lewis Carrol es Charles Dogson. Nació en 1832 en el Reino Unido. Fue un pastor protestante que con sólo 20 años ya era profesor de matemáticas en Oxford. Hombre lúcido, inteligente y al mismo tiempo excéntrico, introvertido y con cierta aversión al trato con sus compañeros de facultad.Nunca tuvo estudio fotográfico abierto al público y se sabe que trabajaba en la vivienda que poseía dentro del campus.cuando decidió dedicarse a la fotografía ya era un hombre reconocido por su faceta de escritor.
Estas relaciones le acarrearon más de un problema y diferentes acusaciones de pederastia. Su modelo favorita era la niña Alexandra Kitchin ("Xie"). Lewis Carroll tomó fotos de ella en más de cincuenta ocasiones desde los 4 a los 16 años.
Con ella pretendían ver si la tierra del oeste de Estados Unidos era productiva y merecía la pena conservarla y cultivarla.
Aquí nace la fotografía antropológica, en su mayoría, de los pueblos americanos donde destaca la foto del "Cañón de Chelly".En 1870 participó en otra expedición. Esta vez para localizar el mejor sitio para la construcción del Canal de Panamá.
Jacob Riis nació en Dinamarca en 1849. Emigró a Estados Unidos con apenas 20 años donde trabajó de minero antes de empezar su carrera periodística. Hizo sus primeros trabajos en el New York Evening Sun y, más tarde, en el Brooklyn News. El New York Tribune lo contrató en 1877 como fotógrafo policial.
Durante años tomó instantáneas nocturnas en las tabernas ilegales y en los fumaderos de opio de Nueva York. Para esto fue uno de los primeros en usar el flash de polvo de magnesio.
Usó la fotografía para ilustrar sus artículos y conferencias. Casi siempre fotografiaba escenas de interiores y de gentes relacionadas con la inmigración: italianos, judíos, chinos, irlandeses, etc. Todos aparecen miserables, sucios y desdichados.
Vivió denunciando la calidad de vida que tenía la gente más pobre. Trabajó en Ellis Island fotografiando a los inmigrantes que llegaban de Europa. De aquí surge la idea de ilustrar los DNI, visados y pasaportes con una fotografía.
George Eastman nació en 1854 Waterville (Nueva York). Fue un inventor al que se atribuye el famoso lema "Usted apriete el botón, que nosotros hacemos el resto". Sacó la primera cámara al mercado apta para todos los públicos. Hizo de la fotografía el gran negocio de su vida.
Atget se instaló en París en 1890. Comenzó a realizar retratos como una manera de ganarse la vida a la que pronto le vio los beneficios. Sus fotografías en los alrededores de Montparnasse eran muy cotizadas entre los artistas de París. Publicitaba su trabajo como "documentos para artistas" ya que él no consideraba sus imágenes como arte.
Eugène Atget realizó más de 10.000 instantáneas entre retratos y lugares de interés turístico en París. En la actualidad sus imágenes de la capital francesa son muy reconocidas y valoradas. Mostró a la perfección el viejo París, sus edificios antiguos, sus palacios y sus parques. Son numerosos sus retratos de vendedores ambulantes, traperos, feriantes o prostitutas.
El fotógrafo Paul Augustus Marey Martin nació en Alsacia - Lorena, Francia el 16 de Abril de 1864. La familia Martin emigró a Londres cuando Paul era un niño debido a la guerra franco - prusiana y al movimiento insurrecto llamado "La Comuna de París". Su primer trabajo fue el de grabador de Madera. Se aficiona a la fotografía con 10 años pero no se la toma en serio hasta 1884.
En 1892 compró una cámara poco frecuente llamado el "Facile". Está cámara era una caja grande que parecía un paquete envuelto en papel marrón. Con el aparato bajo el brazo tuvo la oportunidad de tomar algunas fotografías excelentes de la vida londinense del momento.
Algunas de sus obras más conocidas son "El vendedor de manzanas en plena calle", "Las jovencitas que vendías ramilletes de flores a la entrada de los teatros" o "Novios paseando por el parque". Todas sus fotografías eran tomadas sin que los protagonistas se diesen cuenta. Así los retratos resultaban sobradamente espontáneos y naturales.
Lewis Wickles Hine nació en Estados Unidos en el año 1874. Acabó la carrera de sociología en la Universidad de Nueva York a donde se trasladó en 1901. Dio clases en un pequeño colegio y fue allí donde se interesa por la fotografía. Comienza a usar la cámara como instrumento para hacer fichas de los alumnos o para plasmar eventos de la escuela.En 1904 es contratado para realizar las fotografías a los inmigrantes recién llegados a Ellis Island. Trabajó como fotógrafo para el Comité Nacional de trabajo infantil denunciando las condiciones laborales de los niños.Fue una época muy fructífera para él aunque a la vez muy arriesgada. Se disfraza para entrar ilegalmente a las fábricas y poder denunciar así las infracciones y el incumplimiento de los horarios laborales. Cuando le resultaba imposible entrar hacía las fotografías de los niños y las mujeres a la salida.
En 1917 comienza a trabajar para la Cruz Roja. Durante los siguientes años fotografiará a los refugiados y desplazados por culpa de la I Guerra Mundial en Europa. Regresó a Estados Unidos en 1920 y continúo su trabajo en Ellis Island.
En 1930 se encargó de documentar la construcción del Empire State Building que sería uno de sus últimos trabajos importantes. La recopilación de estas fotografías se llamó "Men at work".
A pesar de los numerosos reconocimientos le costó vivir de la fotografía.
Lewis Hine murió en 1940 y toda su obra se donó al Museo de Fotografía George Eastman.
Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo fue un fotógrafo español nacido en Madrid en 1874. En fotografía es más conocido por su pseudónimo Dalton Kaulak, nombre que adquirió en 1904.
Cánovas del Castillo estudió derecho y más tarde pintura en el estudio de Carlos Häes. En esta etapa firmó sus cuadros con el pseudónimo de "Vascano". Se cree que no usaba su verdadero nombre para que no lo relacionaran con el famoso político Antonio Cánovas del Castillo, del que era sobrino.
Antes de dedicarse a la fotografía tuvo múltiples ocupaciones. Ejerció el periodismo como director de la revista "La correspondencia de España ilustrada", y colaboró en publicaciones como "La época", "La política", "El estandarte", "La libertad", "La monarquía" y "El nacional". Intervino en política como diputado a Cortes en Cieza (Murcia) y fue gobernador civil en Málaga y pagador (administrador) de los Ministerios de Gracia y Justicia. Cultivó también la literatura, y llegó a escribir 2 novelas: "Un milagro en Venecia" y "La Trini".
Anaïs Napoleón fue la primera mujer fotógrafa reconocida en España. Nació en Francia en 1827. Allí conoció a Antonio Fernández Soriano, con quien se casó y trasladó a Barcelona. Anaïs Napoleón aprendió de su marido todo lo que sabía de fotografía. Él había aprendido la técnica en Francia pocos años atrás. Para ganarse la vida vendía sus imágenes por la capital catalana.Fueron los primeros en hacer daguerrotipos en Barcelona junto con Frank, Alfonso Begué y Juan Parés.La casa NapoleónAnaïs Napoleón y su marido fundaron la llamada Casa Napoleón. Comenzaron vendiendo sus imágenes frente a la iglesia de santa Mónica de la ciudad condal. Poco después abrieron su primer estudio que fue prosperando rápidamente. Pronto tuvieron más y mejores sucursales a lo largo de la Rambla.
Cuando el matrimonio tuvo hijos, Anaïs se alejó de la fotografía, dejando a su esposo a cargo del negocio. Con el paso del tiempo, los hijos de ambos se ocuparon de sacar adelante los estudios fotográficos familiares, consolidando una marca que duró muchos años.
Los trabajos de la Casa Napoleón eran reconocidos fácilmente. Todos estaban firmados en el papel identificador que se ponía en el dorso de la placa.
La familia también era conocida porque solía ir a retratar a domicilio a difuntos. Introdujeron también avances, como incrustar daguerrotipos en objetos cotidianos, entre los cuales, los abanicos y costureros eran lo más habitual.
Los trabajos de la Casa Napoleón eran reconocidos fácilmente. Todos estaban firmados en el papel identificador que se ponía en el dorso de la placa.
La familia también era conocida porque solía ir a retratar a domicilio a difuntos. Introdujeron también avances, como incrustar daguerrotipos en objetos cotidianos, entre los cuales, los abanicos y costureros eran lo más habitual.
André Adolphe Eugène Disderí nació en París, Francia, en 1819. Es considerado el fotógrafo de retratos más importante de la época. La técnica que aprendió y usó fue el daguerrotipo. Su trabajo le permitió tener el estudio más grande de toda la capital francesa y darse a conocer en su país.
La fama internacional la alcanzó con la patente de un nuevo invento. Hacia 1854 introduce en la cámara una modificación. Dotó al aparato con varios objetivos, 6, 8 y hasta 12 en algunos casos. Esta innovación le permitió impresionar, en la misma placa, donde antes sólo cabía una única imagen, hasta 12 pequeñas fotografías de cerca de 9 x 6 cm. Así patentó lo que llamó Carte de visite.
La fama internacional la alcanzó con la patente de un nuevo invento. Hacia 1854 introduce en la cámara una modificación. Dotó al aparato con varios objetivos, 6, 8 y hasta 12 en algunos casos. Esta innovación le permitió impresionar, en la misma placa, donde antes sólo cabía una única imagen, hasta 12 pequeñas fotografías de cerca de 9 x 6 cm. Así patentó lo que llamó Carte de visite.
Las Carte de visiteEl éxito de las tarjetas de visita fue inmediato y le proporcionó a Disderí una gran fortuna. Al modelo le da tiempo a cambiar de postura por lo que aparecen de diferente maneras en cada una de las tomas.
Las Carte de visite de Disderí ya no eran daguerrotipos, sino colodiones, y se les podía sacar copias. Éstas se vendían en los estudios que el fotógrafo tenía por toda la ciudad. Consiguió tener una industria con casi 70 empleados gracias a sus patentes.
Retrató a numerosos personajes de la alta sociedad y de la realeza. Entre sus clientes habituales se encontraba la Reina Victoria. Su tarjeta de visita fue una de las más vendidas. También tomó imágenes de Napoleón III, que le catapultaron a la fama en Inglaterra, donde abrió otro de sus prósperos estudios.
Las clases sociales menos favorecidas tenían lugar en las fotografías de Disderí. Lavanderas, costureras, planchadoras, etc. posaban por unos cuantos francos.
A pesar de la fortuna alcanzada, acabó muriendo en la miseria en 1889.
Nace en 1813 Gran Bretaña. Dedicado en principio al grabado y la escultura pronto se le despierta el interés por el mundo y proceso fotográfico del Calotipo. Empieza a trabajar con ello en 1847 para realizar fotografías a sus diseños de grabado.Mas tarde Archer da a conocer su invento que revolucionaría el mundo de la fotografía, el Colodión Húmedo. Este sistema era mucho más rápido que el Daguerrotipo y con una gran ventaja respecto a la exposición: esta era sensiblemente más corta.Desde su muerte en 1857 se le han reconocido otros inventos fotográficos que quedaron sin patentar, o que lo fueron por otros en muchas ocasiones. Esto se explica en gran parte debido a una posible falta de recursos económicos que Frederick Scott Archer tenía al final de su vida, lo que le impidió llevar a cabo sus investigaciones y nuevos descubrimientos.
A Archer se le recuerda, solamente, como un "caballero muy discreto, de salud pobre, con una esposa enferma y de mirada de ángel".
Julia Margaret Cameron está considerada como una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una familia de diez hermanos. Hija de escocés y francesa pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India.
A los 21 años conoció a Sir John Herschel, quien más tarde implantó los términos "positivo, negativo y fotografía", y autor del descubrimiento de las propiedades del tiosulfato de sodio como fijador de las sales de plata. Sir John Herschel actuó a veces como el asesor fotográfico de Cameron.
Casada con un hombre veinte años mayor que ella, excelente jurista y plantador de té, vivió en la India hasta los treinta y tres años, depués se trasladó con toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra.
Julia Margaret Cameron tuvo seis hijos y otros adoptados, por este motivo vivía en un gran caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la época victoriana.
En 1863, cuando contaba ya con cuarenta y ocho años y a causa de un viaje de su marido, su hija la regaló una cámara para paliar la soledad por su ausencia. Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía.
Armada con esta primera cámara fotográfica (construida en madera con un objetivo de la marca Jamin), un equipo de revelado y gracias a la asistencia de John Herschel, en pocos meses domino el proceso al colodión.
Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio. Se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo, debido a las investigaciones que solía llevar a cabo con la luz y las placas.
Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones por sus interpretaciones.
Henry, uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres. Margaret Cameron falleció en 1879.
Roger Fenton nació en 1819 en Lancashire, Fotógrafo de origen británico fue uno de los pioneros de la fotografía en la mitad del siglo XIX.Se desplazó a París para estudiar derecho, pero compaginó estos estudios con su verdadera pasión, la fotografía.
Gustave le Grav le enseñó unas fotografías de arquitectura tomadas por él sobre papel encerado que llamaron enormemente su atención. Fenton empleó este mismo método para realizar sus primeras fotografías, que vieron la luz en Febrero de 1852.Por contraposición al daguerrotipo, este proceso de calotipo era más suave y con mayor capacidad gráfica.Trató a la fotografía como un arte, además de documento y ello le llevó a abandonar su profesión de abogado y dedicarse plenamente a la fotografía.Su carrera fotográfica fue corta, apenas duró unos diez años, pero muy intensa
Primer reportero de guerra
En 1852 se desplazó a Rusia con un amigo, realizando numerosas fotografías de Moscú, San Petersburgo y Kiev, que son de las mejores de su obra. Al regresar de Londres fueron expuestas y ganó un gran reconocimiento, no sólo popular, sino también de la propia familia real.En 1855 viaja hasta Crimea a cubrir la batalla del mismo nombre, dejando un valioso y enorme testimonio de esta contienda. Se considera como el primer reportero de guerra.A su vuelta tuvo contactos con la familia real británica, llegando a asesorar al príncipe Alberto en el montaje de un laboratorio de fotografía en el propio castillo de Windsor.En 1860 realizó bodegones y en 1862, decepcionado por el tema de la conservación y la comercialización fotográfica, lo llevó a la pérdida de valiosos documentos, vendió todo su equipo y se retiró completamente de la fotografía.Falleció en 1869 a la edad de cincuenta años.
Se conoce poco de la biografía de Charles Clifford antes de su llegada a España. Nació en Inglaterra en 1813 y llegó a Madrid a principios de los años 50. Los motivos que lo llevaron a emigrar o cómo se inició en la fotografía siguen siendo un misterio hoy en día.
En Madrid tuvo numerosos estudios fotográficos situados en la Puerta del Sol, en la calle Montera o en la carrera de San Jerónimo. Allí realizaba daguerrotipos a todo el que pudiera pagarlo.
En Madrid tuvo numerosos estudios fotográficos situados en la Puerta del Sol, en la calle Montera o en la carrera de San Jerónimo. Allí realizaba daguerrotipos a todo el que pudiera pagarlo.
A principios de 1860 ya realizaba calotipos y se dedicaba principalmente a la fotografía de viajes. Recorrió casi toda la geografía española fotografiando paisajes y monumentos.
Entre 1855 y 1858 la Reina Isabel II le encarga el reportaje de las obras del canal que estaba construyendo en Madrid. Las fotografías de este proyecto registran las importantes infraestructuras que se están levantando: la presa, acueductos, sifones, almenaras, canales, etc. Todas estas imágenes se incluirán en el álbum llamado "Vistas de la Presa y demás obras del Canal de Isabel II".
Charles Clifford ostentó el título de fotógrafo de Cámara de la Reina. Fue el fotógrafo oficial de numerosos de sus viajes e inmortalizó las visitas reales a Andalucía, Baleares o Murcia. El título de fotógrafo oficial de la Casa Real lo alcanzó de la mano de la Reina Victoria de Inglaterra.
A principios de 1860 ya realizaba calotipos y se dedicaba principalmente a la fotografía de viajes. Recorrió casi toda la geografía española fotografiando paisajes y monumentos.
Entre 1855 y 1858 la Reina Isabel II le encarga el reportaje de las obras del canal que estaba construyendo en Madrid. Las fotografías de este proyecto registran las importantes infraestructuras que se están levantando: la presa, acueductos, sifones, almenaras, canales, etc. Todas estas imágenes se incluirán en el álbum llamado "Vistas de la Presa y demás obras del Canal de Isabel II".
Charles Clifford ostentó el título de fotógrafo de Cámara de la Reina. Fue el fotógrafo oficial de numerosos de sus viajes e inmortalizó las visitas reales a Andalucía, Baleares o Murcia. El título de fotógrafo oficial de la Casa Real lo alcanzó de la mano de la Reina Victoria de Inglaterra.
José Martínez Sánchez fue un fotógrafo valenciano nacido en 1808 y muerto en 1874. Es considerado uno de los primeros fotógrafos españoles de renombre. Tuvo estudios tanto en Valencia como en Madrid. Su estudio de Madrid estaba situado en plena Puerta del Sol y en él tuvo aprendices como Emilio Godínez que destacaron en la fotografía años después.
Entre 1858 y 1865 se asoció con distintos compañeros realizando trabajos que le llevarían a la fama. Con Antonio Cosmes registró de forma sincrónica la llegada de la Reina Isabel II al puerto de Valencia con motivo de la inauguración de la red ferroviaria Valencia-Alicante.
Entre 1866 y 1867 José Martínez Sánchez se asocia con Jean Laurent. Con él recorrerá España fotografiando obras públicas. Se cree que el encargo partió del Ministerio de Fomento de la época. Estos álbums fueron expuestos en el pabellón español de la Exposición Universal de París de 1867.
Con J. Laurent también inventó y patentó el papel leptográfico en 1866 que fue el primer paso para el posterior invento del papel baritado. Fue ampliamente reconocido y aceptado en Francia.
Martínez Sánchez también destacó en la fotografía de retratos. Gran cantidad de trabajos suyos permanecen conservados en la llamada Colección de Manuel Castellanos en la Biblioteca Nacional. La colección la componen cerca de 20.000 fotografías que Manuel Castellanos permutó con la biblioteca a cambio de grabados y otras obras de arte.
El fotógrafo Jean Laurent nació en Francia en 1816. Vivió en Garchizy en el distrito de Nevers hasta su traslado a Madrid en 1843.
La explotación del gabinete de retratos y el archivo fotográfico de personalidades parece ser el negocio fotográfico inicial del francés Laurent. Fue uno de los fotógrafos y empresarios fotográficos más importantes de cuantos trabajaron en España a lo largo del siglo XIX.
Las primeras noticias fotográficas que se tienen de Laurent datan de 1851. Con anterioridad trabajaba como jaspeador en la calle del Olivo de Madrid.
En 1861 ya se anunciaba como fotógrafo de Isabel II. El anuncio apareció publicado en "El almanaque político y literario de Iberia" de 1861.
Instaló su estudio en la madrileña Carrera de San Jerónimo. Desde allí vendía todo tipo de fotografías, entre las que se incluían retratos, paisajes, así como reproducciones de obras de arte. Tuvo, durante algunos años, los derechos de reproducción de los cuadros del Museo del Prado.
Jean Laurent llegó a poseer una compleja red de distribución de fotografías que partía de sus establecimientos en Madrid y que se extendía por toda España.
Laurent tuvo entre sus socios a José Martínez Sánchez, con quien inventó el papel leptográfico. Publicó 6 álbums fotográficos entre 1861 y 1879 y dos más tras su muerte en 1892. En total fueron más de 500 retratos, 200 vistas en la colección "Vistas estereoscópicas de España" y cerca de 300 reproducciones de obras pictóricas. Todo esto constituye uno de los proyectos más ambiciosos, fotográficamente hablando, de la España del XIX.
A lo largo de los años, Laurent recopiló una ingente cantidad de negativos de reproducciones de todo de tipo de arte español: vistas de ciudades, monumentos, tipos españoles (gitanos del Sacromonte, bandoleros de Sierra Morena) trajes regionales, curiosidades, etc. Jean Laurent expandirá y explotará este archivo a lo largo de toda su vida.
Esta sección es la continuación de las Biografías de fotógrafos históricos del siglo XIX. Aquí nos encargaremos de descubrir y relacionar a los personajes más relevantes dentro del mundo de la imagen de su época, que desarrollaron su actividad a partir de la segunda mitad del siglo XIX.
Si en la primera mitad del siglo XIX lo importante fueron los inventos y sus técnicas, en la segunda mitad se presta especial atención a las nuevas temáticas. Las guerras retratadas por Mathew Bradley o la sociedad londinense de Paul Martin serán algunos ejemplos.
A lo largo de este siglo, el número de fotógrafos fue aumentando, primero de forma lenta, después, vertiginosa. Aunque aquí no caben todos, estos son algunos de los personajes decisivos en la historia de la fotografía de finales del siglo XIX:
Si en la primera mitad del siglo XIX lo importante fueron los inventos y sus técnicas, en la segunda mitad se presta especial atención a las nuevas temáticas. Las guerras retratadas por Mathew Bradley o la sociedad londinense de Paul Martin serán algunos ejemplos.
A lo largo de este siglo, el número de fotógrafos fue aumentando, primero de forma lenta, después, vertiginosa. Aunque aquí no caben todos, estos son algunos de los personajes decisivos en la historia de la fotografía de finales del siglo XIX:
Su nombre real era Gaspar Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo del siglo XIX.Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura, ciencias... y fue un conductor de la libertad de expresión.Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.En 1851 Nadar reprodujo en litografía un fresco gigantesco de casi 250 personajes que mostrasen toda la gloria literaria y artística de París.En 1854 Nadar abre un estudio de fotografía en el 113 de la Rue Saint-Lazare, en 1860 se le quedó pequeño y se cambia a un barrio más a la moda convirtiéndose en una élite de intelectuales
Se lanzó a la fotografía aérea. En 1858 realizó su primera fotografía desde un globo estático que se mandó construir, "El Gigante", de la ciudad de Petit-Bicetre. Diez años más tarde comenzó la serie de "vistas" aéreas del barrio de la Etoile, tomadas sobre una sola placa al colodión de gran formato.
En 1864 publicó la historia de sus viajes "Las memorias del Gigante" un año después "El derecho a volar". En 1860 Fotografió catacumbas con luz artificial así como las cloacas de Paris, En 1895 cedió su estudio a su hijo.
En 1900 publicó su libro "Cuando yo era fotógrafo" una obra muy interesante y rica en enseñanza, dotada con muchas anotaciones sobre la fotografía, más tarde es homenajeada en la Exposición Universal de París.
Nadar fallece en 1910, dejando una enorme producción fotográfica: más de 450.000 placas de cristal que obran en poder de la hija de Paúl Nadar.
Alexander Gardner es una fotógrafo escocés nacido en 1821. Vivió entre su país natal y Estados Unidos. En Escocia fundó un periódico llamado Glasgow Sentinel que se publicaba cada sábado.
En 1850 viajó por primera vez a Estados Unidos junto a su hermano. Su intención era comprar y fundar una sociedad cooperativista en Iowa. Lo hizo pero pronto volvió a Escocia para recaudar más dinero.
En 1851 visita la Exposición Universal en Hyde Park de Londres. Fue aquí donde conoció las fotografías de Mathew Brady y donde se interesa por el negocio fotográfico. Alexander Gardner se muda definitivamente a EEUU en 1856. Es entonces cuando conoce a Brady y comienza a trabajar para él. Trabajaría para él como gerente de su estudio de Washington D.C. y también como corresponsal en la guerra civil americana. Se especializó en la técnica del colodión húmedo.
La guerra civil americana dispara el volumen de trabajo de los fotógrafos. Los soldados quieren ser retratados con sus uniformes militares antes de ir al frente. Brady envió a un equipo de fotógrafos por todo el país para fotografiar las crueldades de la batalla. Entre ellos se encontraba Gardner quien tomó las imágenes más crudas de la guerra.
Fotografió batallas como las de de Antietam (septiembre de 1862), Fredericksburg (diciembre de 1862), Gettysburg (julio de 1863) o el asedio de San Petersburgo (junio de 1864 y abril de 1865).
Gardner trabajó para Brady hasta 1862. Renunció a su empleo cansado de no ver reconocimiento en sus fotografías de guerra y la atribución de su autoría a su jefe. Es en esa época cuando Gardner funda su propio estudio y contrata a parte del equipo de Brady. Entre los miembros más destacados de este personal se encuentra Timothy O’Sullivan.
Cuando la contienda acabó, fue declarado fotógrafo oficial de la Union Pacific Railroad. Este trabajo lo llevó a documentar toda la construcción de las líneas de ferrocarril de Kansas. Su trabajo fue reconocido también por fotografiar al Presidente Abraham Lincoln antes de ser asesinado. Incluso se llegó a creer que había participado en la conspiración que acabó con su vida.
Alexander Gardner murió en 1882 en Washington.
Étienne Jules Marey nació en Beaune, Francia el 5 de marzo de 1830. Fue un reconocido médico dedicado a la investigación y a la fotografía. Gracias a él y a su trabajo se produjeron grandes avances en la ciencia y de la imagen.
Marey empezó a estudiar medicina en 1849 en París y se graduó diez años después. En 1864 abrió un laboratorio donde realizó la mayoría de sus grandes descubrimientos. Primero estudió la circulación de la sangre y, posteriormente, se dedicó al estudio del movimiento. Pretendía comprender el vuelo de las aves y los insectos y de cómo sus alas interaccionan con el aire para poder volar. Para ello empleó la técnica delmétodo gráfico que consiste en registrar sobre papel o negativo lo que actúa sobre los sujetos que están en movimiento.
La cronofotografía
Con su método y con distintos instrumentos de registro consigue plasmar la relación entre el espacio y el tiempo. Queda así plasmada la huella del movimiento. La técnica que utilizó para sus investigaciones fue la llamada cronofotografía. Con ella plasmó y pudo congelar los pasos de un hombre y los de un caballo. También cómo volaban diferentes insectos y aves.
Esta técnica también fue utilizada por Eadweard Muybridge en sus investigaciones. Ambos compartían las mismas inquietudes. Marey consideraba que los estudios de Muybridge no eran lo suficientemente rigurosos.
Esta técnica también fue utilizada por Eadweard Muybridge en sus investigaciones. Ambos compartían las mismas inquietudes. Marey consideraba que los estudios de Muybridge no eran lo suficientemente rigurosos.
Su invento más destacado en torno a su trabajo fue el perfeccionamiento de un instrumento inventado por Jules Janssen en 1874. Creó así el "rifle fotográfico" que podía capturar doce imágenes por segundo. De esta manera podía congelarse el movimiento de casi cualquier cosa.
En el año 1882 sustituyó su rifle fotográfico por una cámara de cronofotografía. Ésta era de placa fija y tenía un obturador con el que podía controlar el tiempo. A lo largo de los años Jules Marey fue mejorando su técnica y sus inventos. Sustituyó la placa de cristal por una tira de papel fotosensible que se movía automáticamente dentro de la cámara a través de un electroimán. Finalmente, el negativo remplazó al papel y pudo así obtener infinitas copias de su trabajo.
Marey contó con numerosos ayudantes a lo largo de su carrera. El más destacado fue Georges Demeny quien colaboró con él desde 1882 y hasta 1894.
Jules Marey murió en 1904 habiendo conseguido con su trabajo inspirar a los hermanos Lumiere para inventar el cinematógrafo.
Marey contó con numerosos ayudantes a lo largo de su carrera. El más destacado fue Georges Demeny quien colaboró con él desde 1882 y hasta 1894.
Jules Marey murió en 1904 habiendo conseguido con su trabajo inspirar a los hermanos Lumiere para inventar el cinematógrafo.
Eadweard Muybridge fue un investigador y fotógrafo inglés que nació en abril de 1830. Su verdadero nombre es Edward James Muggeridge. Se cambió el nombre con 21 años al emigrar a Estados Unidos aunque el de Eadweard Muybridge no fue el primero de ellos. Como ejemplo, se encuentran numerosas fotografías suyas firmadas con el nombre de Helio. Éste fue el nombre de su estudio y el que le pondría también a uno de sus hijos.Es mundialmente famoso y reconocido por sus trabajos en el estudio del movimiento humano y animal. Antes de eso trabajó como editor y como librero.Sus primeras imágenes fueron tomadas entre 1861 y 1866. En estos años fue cuando decidió tomarse la fotografía en serio, tras aprender la técnica del colodión húmedo. Los primeros temas en los que se centró su trabajo fueron el paisaje y la arquitectura.
En 1872 el empresario y ex gobernador de California Leland Stanford contrató a Muybridge para demostrar que había un momento en que los caballos de carreras tenían sus cuatro patas en el aire. Muybridge no pudo demostrarlo en ese momento ya que el colodión necesitaba varios segundos para que su resultado fuese óptimo.
Un año después retomó su investigación y consiguió demostrar que Stanford estaba en lo cierto.
En estudios realizados más tarde utilizó una serie de cámaras de gran formato que funcionaban con placas de vidrio colocadas en línea. Éstas se activaban a través de un hilo que el caballo iba tocando a su paso.
El invento se fue perfeccionando con el paso del tiempo y se le incorporó un dispositivo de relojería. Para ver las imágenes se necesitaba un aparato llamado zoopraxiscopio, que fue uno de los artefactos que dio lugar al cine.
A mediados de la década de 1870 Muybridge fue acusado de asesinar al amante de su esposa. Todo esto supuso un parón en sus investigaciones. Finalmente fue absuelto por "homicidio justificable" y continuó trabajando. Pasó el resto de su vida fotografiando animales en movimiento y seres humanos practicando diversas actividades. Por lo general, fotografiaba a estas personas desnudas o con muy poca ropa.
Los años 80 fueron una época muy fructífera para el fotógrafo inglés. Realizó más de 100.000 imágenes y publicó más de 20.000 en una colección titulada "El movimiento Animal".
Los últimos trabajos de Muybridge estuvieron muy influenciados por los de Jules Marey quien también estudiaba el movimiento.
Eadweard Muybridge murió en su Inglaterra natal en 1894.
El verdadero nombre de Lewis Carrol es Charles Dogson. Nació en 1832 en el Reino Unido. Fue un pastor protestante que con sólo 20 años ya era profesor de matemáticas en Oxford. Hombre lúcido, inteligente y al mismo tiempo excéntrico, introvertido y con cierta aversión al trato con sus compañeros de facultad.Nunca tuvo estudio fotográfico abierto al público y se sabe que trabajaba en la vivienda que poseía dentro del campus.cuando decidió dedicarse a la fotografía ya era un hombre reconocido por su faceta de escritor.Sus modelos
Lewis Carroll tenía una particular predilección por las niñas. Se relacionaba más fácilmente con los menores que con los adultos que lo rodeaban.
Estas relaciones le acarrearon más de un problema y diferentes acusaciones de pederastia. Su modelo favorita era la niña Alexandra Kitchin ("Xie"). Lewis Carroll tomó fotos de ella en más de cincuenta ocasiones desde los 4 a los 16 años.
Alicia Liddell fue otra de sus modelos predilectas. Era la hija del deán de la universidad donde trabajaba Lewis Carroll. Ella y sus hermanos posaron en numerosas ocasiones para él.
La niña Alice Liddell, además de ser su modelo, le sirvió como fuente de inspiración del famoso libro "Alicia en el País de las Maravillas" y su continuación "Alicia a través del espejo".
Lewis Carroll abandonó de manera abrupta la fotografía después de casi 25 años de profesión. Murió en 1898, con 65, años en el Reino unido.
La niña Alice Liddell, además de ser su modelo, le sirvió como fuente de inspiración del famoso libro "Alicia en el País de las Maravillas" y su continuación "Alicia a través del espejo".
Lewis Carroll abandonó de manera abrupta la fotografía después de casi 25 años de profesión. Murió en 1898, con 65, años en el Reino unido.
Timothy O'Sullivan fue un fotógrafo estadounidense nacido en 1840. Es conocido por sus trabajos relacionados con la guerra civil americana. Su primer maestro y jefe fue Mathew Brady, para quien trabajó en su juventud.
Se alistó en el ejército y participó en numerosas contiendas. Cuando se dio de baja trabajaría para el también fotógrafo de guerra Alexander Gardner.
O'Sullivan es el único fotógrafo del que se conserva una fotografía de la Batalla de Gettysburgen, llamada "Cosecha de Muerte" (1868). En ella aparecen los primeros cuerpos caídos en una contienda bélica.
Hasta entonces las fotografías de guerra eran completamente descafeinadas. No se retrataba a las bajas de ningún bando y sólo se veían a los soldados en actitudes cotidianas.
Una vez acabada la guerra Timothy O'Sullivan empieza a formar parte del equipo de Clarence King. Con él organizó una expedición científica al oeste americano llamadaExploración geológica del paralelo 40.
Con ella pretendían ver si la tierra del oeste de Estados Unidos era productiva y merecía la pena conservarla y cultivarla.
Timothy O'Sullivan falleció en 1882. Sus últimos años de vida los pasó en Washington trabajando para el Servicio Geológico de Estados Unidos y del Departamento del Tesoro.
Durante años tomó instantáneas nocturnas en las tabernas ilegales y en los fumaderos de opio de Nueva York. Para esto fue uno de los primeros en usar el flash de polvo de magnesio.
Usó la fotografía para ilustrar sus artículos y conferencias. Casi siempre fotografiaba escenas de interiores y de gentes relacionadas con la inmigración: italianos, judíos, chinos, irlandeses, etc. Todos aparecen miserables, sucios y desdichados.
Vivió denunciando la calidad de vida que tenía la gente más pobre. Trabajó en Ellis Island fotografiando a los inmigrantes que llegaban de Europa. De aquí surge la idea de ilustrar los DNI, visados y pasaportes con una fotografía.
Su artículo llamado Cómo vive la otra mitad, alcanzó tal éxito que se le propuso convertir el tema a libro. Jacob Riis alcanzó tanta fama que el candidato a la presidencia de EEUU Theodore Roosevelt se fijó en él. Cuando llegó a la presidencia lo contrató como asesor, dejando así la fotografía. Riis murió en mayo de 1914 en Massachusetts, Estados Unidos.
George Eastman nació en 1854 Waterville (Nueva York). Fue un inventor al que se atribuye el famoso lema "Usted apriete el botón, que nosotros hacemos el resto". Sacó la primera cámara al mercado apta para todos los públicos. Hizo de la fotografía el gran negocio de su vida.
A la edad de seis años Eastman se trasladó a Rochester, donde vivió 40 años.
Con 14 años consigue su primer empleo como mensajero en una compañía de seguros, su madre y sus hermanas dependían de él. Por las noches estudiaba contabilidad, cumplidos ya los 20 años le ofrecen un empleo en Rochester Savings Bank. Su salario de 800 dólares le permitió ahorrar para iniciar su aventura en el mundo fotográfico.
Con 14 años consigue su primer empleo como mensajero en una compañía de seguros, su madre y sus hermanas dependían de él. Por las noches estudiaba contabilidad, cumplidos ya los 20 años le ofrecen un empleo en Rochester Savings Bank. Su salario de 800 dólares le permitió ahorrar para iniciar su aventura en el mundo fotográfico.
En 1892 fundó la Eastman Kodak Company, una de las primeras empresas en fabricar material fotográfico en serie. George Eastman dedicó gran parte de su vida a la fotografía, lo cual le llevo a crear la firma Kodak, hoy convertida en una referencia internacional.
Entregó una considerable cantidad de dólares para diversos proyectos, de entre los cuales se debe destacar la fundación de la escuela Eastman de música y educación medicinal.
George Eastman falleció en 1932.
George Eastman falleció en 1932.
Su nombre completo era Jean Eugène Auguste Atget. Fue uno de los más famosos fotógrafos franceses de finales del siglo XIX. Nació en Libourne, cerca de Burdeos, en 1857. A la edad de 7 años se quedó huérfano y fue criado desde entonces por su tío. En su juventud tuvo múltiples ocupaciones. Fue marinero y grumete en barcos de pesca y se dedicó durante algún tiempo a la actuación.
Eugène Atget se interesó desde muy joven por los trabajadores y sus problemáticas. Los pequeños comerciantes se estaban viendo afectados por la continua modernización y la proliferación de grandes tiendas. Quiso reflejar todo esto y pronto se dedicó a la fotografía de manera profesional.
Eugène Atget se interesó desde muy joven por los trabajadores y sus problemáticas. Los pequeños comerciantes se estaban viendo afectados por la continua modernización y la proliferación de grandes tiendas. Quiso reflejar todo esto y pronto se dedicó a la fotografía de manera profesional.
El fotógrafo de París
Atget se instaló en París en 1890. Comenzó a realizar retratos como una manera de ganarse la vida a la que pronto le vio los beneficios. Sus fotografías en los alrededores de Montparnasse eran muy cotizadas entre los artistas de París. Publicitaba su trabajo como "documentos para artistas" ya que él no consideraba sus imágenes como arte.Eugène Atget realizó más de 10.000 instantáneas entre retratos y lugares de interés turístico en París. En la actualidad sus imágenes de la capital francesa son muy reconocidas y valoradas. Mostró a la perfección el viejo París, sus edificios antiguos, sus palacios y sus parques. Son numerosos sus retratos de vendedores ambulantes, traperos, feriantes o prostitutas.
En cuanto a la técnica utilizaba una cámara de gran formato con una lente rectilínea de fuelle. Para la exposición utilizaba placas de vidrio y sus exposiciones eran muy prolongadas.
Atget fue un hombre muy excéntrico y malhumorado. Con 50 años renunció a comer cualquier cosa que no fuera pan, leche y azúcar. Estuvo en contacto con personalidades como Man Ray, Picasso o Berenice Abbott. Gracias a ellas el trabajo de Eugéne Atget ha llegado hasta nuestros días y ha sido reconocido.
La muerte del fotógrafo en 1927 pasó desapercibida para la mayor parte del público de su época.
Atget fue un hombre muy excéntrico y malhumorado. Con 50 años renunció a comer cualquier cosa que no fuera pan, leche y azúcar. Estuvo en contacto con personalidades como Man Ray, Picasso o Berenice Abbott. Gracias a ellas el trabajo de Eugéne Atget ha llegado hasta nuestros días y ha sido reconocido.
La muerte del fotógrafo en 1927 pasó desapercibida para la mayor parte del público de su época.
El fotógrafo Paul Augustus Marey Martin nació en Alsacia - Lorena, Francia el 16 de Abril de 1864. La familia Martin emigró a Londres cuando Paul era un niño debido a la guerra franco - prusiana y al movimiento insurrecto llamado "La Comuna de París". Su primer trabajo fue el de grabador de Madera. Se aficiona a la fotografía con 10 años pero no se la toma en serio hasta 1884.Algunas de sus obras más conocidas son "El vendedor de manzanas en plena calle", "Las jovencitas que vendías ramilletes de flores a la entrada de los teatros" o "Novios paseando por el parque". Todas sus fotografías eran tomadas sin que los protagonistas se diesen cuenta. Así los retratos resultaban sobradamente espontáneos y naturales.
Paul Martin es especialmente recordado por las fotografías nocturnas que tomó en la capital de Inglaterra entre 1895 y 1896. Esta serie es conocida como "London by Gaslight". Gracias a ella se le concedió la medalla de la Real Sociedad Fotográfica. Las fotografías de Martin tienen un estilo honesto, sin pretensiones y llenas de sinceridad.
Sobretodo hizo fotos de los sujetos de las calles de Londres pero fue más genial y provocador con sus fotografías de vacaciones. Niños viendo un guiñol, bañistas, o lo que supuso toda una provocación para la época, parejas besándose en la playa.
Siente simpatía hacia la clase obrera y los retrata a la orilla del mar. En sus fotografías todo parece natural, sano y divertido. Esto contrasta con las ideas victorianas sobre la depravación y la promiscuidad sexual tan, a menudo, asociada con el mundo del trabajo.
Sobretodo hizo fotos de los sujetos de las calles de Londres pero fue más genial y provocador con sus fotografías de vacaciones. Niños viendo un guiñol, bañistas, o lo que supuso toda una provocación para la época, parejas besándose en la playa.
Siente simpatía hacia la clase obrera y los retrata a la orilla del mar. En sus fotografías todo parece natural, sano y divertido. Esto contrasta con las ideas victorianas sobre la depravación y la promiscuidad sexual tan, a menudo, asociada con el mundo del trabajo.
Llegó a escribir sobre sí mismo que si hubiese tenido dinero le hubiese encantado dedicarse a la fotografía pictorialista pero como nunca tuvo un gabinete fotográfico escogió el mundo de la calle para convertirlos en los protagonistas de sus fotografías.
En cuanto a la técnica tenía un método bastante ingenioso: Tomaba una diapositiva que luego proyectaba sobre la pared. Elegía el formato idóneo y de ahí sacaba un negativo en papel que luego positivaba eliminando todo aquello que estorbaba a la composición.
Paul Martin murió el 7 de Julio de 1944. Su labor ha sido muy reconocida por el público y por la crítica.
En cuanto a la técnica tenía un método bastante ingenioso: Tomaba una diapositiva que luego proyectaba sobre la pared. Elegía el formato idóneo y de ahí sacaba un negativo en papel que luego positivaba eliminando todo aquello que estorbaba a la composición.
Paul Martin murió el 7 de Julio de 1944. Su labor ha sido muy reconocida por el público y por la crítica.
Lewis Wickles Hine nació en Estados Unidos en el año 1874. Acabó la carrera de sociología en la Universidad de Nueva York a donde se trasladó en 1901. Dio clases en un pequeño colegio y fue allí donde se interesa por la fotografía. Comienza a usar la cámara como instrumento para hacer fichas de los alumnos o para plasmar eventos de la escuela.En 1904 es contratado para realizar las fotografías a los inmigrantes recién llegados a Ellis Island. Trabajó como fotógrafo para el Comité Nacional de trabajo infantil denunciando las condiciones laborales de los niños.Fue una época muy fructífera para él aunque a la vez muy arriesgada. Se disfraza para entrar ilegalmente a las fábricas y poder denunciar así las infracciones y el incumplimiento de los horarios laborales. Cuando le resultaba imposible entrar hacía las fotografías de los niños y las mujeres a la salida.Trabajos más importantes
En 1917 comienza a trabajar para la Cruz Roja. Durante los siguientes años fotografiará a los refugiados y desplazados por culpa de la I Guerra Mundial en Europa. Regresó a Estados Unidos en 1920 y continúo su trabajo en Ellis Island.A pesar de los numerosos reconocimientos le costó vivir de la fotografía.
Lewis Hine murió en 1940 y toda su obra se donó al Museo de Fotografía George Eastman.
Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo fue un fotógrafo español nacido en Madrid en 1874. En fotografía es más conocido por su pseudónimo Dalton Kaulak, nombre que adquirió en 1904.Antes de dedicarse a la fotografía tuvo múltiples ocupaciones. Ejerció el periodismo como director de la revista "La correspondencia de España ilustrada", y colaboró en publicaciones como "La época", "La política", "El estandarte", "La libertad", "La monarquía" y "El nacional". Intervino en política como diputado a Cortes en Cieza (Murcia) y fue gobernador civil en Málaga y pagador (administrador) de los Ministerios de Gracia y Justicia. Cultivó también la literatura, y llegó a escribir 2 novelas: "Un milagro en Venecia" y "La Trini".
Su primer contacto con la fotografía se la debe a su hermano Máximo Cánovas, miembro fundador de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Kaulak fue el alma de esta sociedad y su director durante largos años.
Creó la revista "La fotografía", cuyo primer número salió en octubre de 1901.Esa revista fue el órgano oficial de la sociedad citada, cuya sede se encontraba en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. En esa revista oficial, Kaulak se comprometió hasta el extremo de polemizar con aficionados, críticos y compañeros de profesión.
En 1899 participó en el concurso convocado por "La ilustración española y americana" y obtuvo el primer premio con la serie titulada "Tipos populares", compuesta por tres fotografías: "Aparejando", "Vendimia" y "Los esparteros". Todas de un claro contenido pictorialista.
En 1903, cuando aún se anunciaba como amateur, ya era fotógrafo de la Real Casa, por entonces los premios que había obtenido eran muy prestigiosos: primer premio de la Exposición de San Sebastián (1900), medalla de bronce en la Exposición Universal de París (1900), primer premio en la Exposición de Barcelona (1901), etc. En todas las exposiciones en las que participó, la crítica siempre lo consideró como el alma del pictorialismo.
Creó la revista "La fotografía", cuyo primer número salió en octubre de 1901.Esa revista fue el órgano oficial de la sociedad citada, cuya sede se encontraba en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. En esa revista oficial, Kaulak se comprometió hasta el extremo de polemizar con aficionados, críticos y compañeros de profesión.
En 1899 participó en el concurso convocado por "La ilustración española y americana" y obtuvo el primer premio con la serie titulada "Tipos populares", compuesta por tres fotografías: "Aparejando", "Vendimia" y "Los esparteros". Todas de un claro contenido pictorialista.
En 1903, cuando aún se anunciaba como amateur, ya era fotógrafo de la Real Casa, por entonces los premios que había obtenido eran muy prestigiosos: primer premio de la Exposición de San Sebastián (1900), medalla de bronce en la Exposición Universal de París (1900), primer premio en la Exposición de Barcelona (1901), etc. En todas las exposiciones en las que participó, la crítica siempre lo consideró como el alma del pictorialismo.
Dalton Kaulak fue criticado y denunciado entre sus colegas por no pagar impuestos y no dejar de recibir premios. Esta denuncia no fructificó pero lo llevó a abrir su primer estudio fotográfico en 1904. En poco tiempo el local fue uno de los principales de la ciudad. En 1906 tenía cerca de 40 decorados importados de París y trabajaban en el estudio 18 técnicos fijos más el personal contratado eventualmente. Los clientes pertenecían a la clase social más elevada por lo que nunca sufrió la competencia de los nuevos estudios.
En 1912 publicó el tratado técnico: "La fotografía. Manual compendiado de los conocimientos indispensables del fotógrafo y la fotografía moderna".
En Diciembre de 1913 abandona la dirección de la revista "La Fotografía" para dedicarse por completo a su trabajo en el estudio.
En 1921 publicó "El retoque fotográfico" y el gabinete vivió entonces su etapa de esplendor hasta la proclamación de la República. En 1933 Dalton Kaulak fallece víctima de una pulmonía. El estudio fue explotado hasta fin de mayo de 1989 año en que cerró definitivamente.
En 1912 publicó el tratado técnico: "La fotografía. Manual compendiado de los conocimientos indispensables del fotógrafo y la fotografía moderna".
En Diciembre de 1913 abandona la dirección de la revista "La Fotografía" para dedicarse por completo a su trabajo en el estudio.
En 1921 publicó "El retoque fotográfico" y el gabinete vivió entonces su etapa de esplendor hasta la proclamación de la República. En 1933 Dalton Kaulak fallece víctima de una pulmonía. El estudio fue explotado hasta fin de mayo de 1989 año en que cerró definitivamente.
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